≡× МЕНЮ

• Публикации
• Вторые блюда
• Отзывы Покупателей
• Финансы и бизнес
• Мода и стиль

Современные художники франции

Французскую художественную школу на рубеже 17-го и 18-го века можно назвать ведущей европейской школой, именно во Франции в то время зародились такие стили искусства, как рококо, романтизм, классицизм, реализм, импрессионизм и постимпрессионизм.

Рококо (франц. rococo, от rocaille - декоративный мотив в форме раковины) - стиль в европейском искусстве 1-й половины 18-го века. Для рококо характерен гедонизм, уход в мир идиллической театральной игры, пристрастие к пасторальным и чувственно-эротическим сюжетам. Характер декора рококо приобрёл подчёркнуто изящные, утончённо-усложнённые формы.

В стиле рококо работали Франсуа Буше, Антуан Ватто, Жан Оноре Фрагонар.

Классицизм - стиль в европейском искусстве 17 - начала 19-го века, характерной чертой которого было обращение к формам античного искусства, как к идеальному эстетическому и этическому эталону.

В стиле классицизма работали Жан Батист Грёз, Никола Пуссен, Жан Батист Шарден, Жан Доминик Энгр, Жак-Луи Давид.

Романтизм - стиль европейского искусства в 18-19-м веках, характерными чертами которого было утверждение самоценности духовно-творческой жизни личности, изображение сильных и зачастую бунтарских страстей и характеров.

В стиле романтизма работали Франсиско де Гойя, Эжен Делакруа, Теодор Жерико, Уильям Блейк.

Эдуар Мане. Завтрак в мастерской. 1868 г.

Реализм – стиль искусства, задачей которого является как можно более точная и объективная фиксация действительности. Стилистически реализм многолик и многовариантен. Различные стороны реализма в живописи представляют собой барочный иллюзионизм Караваджо и Веласкеса, импрессионизм Мане и Дега, нюненские работы Ван Гога.

Рождение реализма в живописи чаще всего связывают с творчеством французского художника Гюстава Курбе, открывшего в 1855 г. в Париже свою персональную выставку «Павильон реализма», хотя ещё до него в реалистической манере работали художники барбизонской школы Теодор Руссо, Жан-Франсуа Милле, Жюль Бретон. В 1870-е гг. реализм разделился на два основных направления - натурализм и импрессионизм.

Реалистическая живопись получила большое распространение по всему миру. В стиле реализма остросоциальной направленности в России 19-го века работали передвижники.

Импрессионизм (от фр. impression - впечатление) - стиль в искусстве последней трети 19-го - начала 20-го веков, характерной чертой которого являлось стремление наиболее естественно запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости, передать свои мимолётные впечатления. Импрессионизм не поднимал философские проблемы, а сосредоточивался на текучести мгновения, настроения и освещения. Сюжетами импрессионистов становится сама жизнь, как очередь маленьких праздников, вечеринок, приятных пикников на природе в дружеском окружении. Импрессионисты одни из первых стали рисовать на пленэре, не дорабатывая свои работы в студии.

В стиле импрессионизма работали Эдгар Дега, Эдуард Мане, Клод Моне, Камиль Писсарро, Огюст Ренуар, Жорж Сёра, Альфред Сислей и другие.

Постимпрессионизм – стиль искусства, возникший в конце 19-го века. Постимпрессионисты стремились свободно и обобщённо передавать материальность мира, прибегая к декоративной стилизации.

Постимпрессионизм дал начало таким направлениям искусства, как экспрессионизм, символизм и модерн.

В стиле постимпрессионизма работали Винсент Ван Гог, Поль Гоген, Поль Сезанн, Тулуз-Лотрек.

Рассмотрим подробнее импрессионизм и постимпрессионизм на примере творчества отдельных мастеров Франции 19-го века.

Эдгар Дега. Автопортрет. 1854-1855 гг.

Эдгар Дега (годы жизни 1834-1917) - французский живописец, график и скульптор.

Начав со строгих по композиции исторических картин и портретов, Дега в 1870-е годы сблизился с представителями импрессионизма и обратился к изображению современной городской жизни – улиц, кафе, театральных представлений.

В картинах Дега динамичная, часто асимметричная композиция, точный гибкий рисунок, неожиданные ракурсы, активность взаимодействия фигуры и пространства тщательно продуманны и выверены.

Э. Дега. Ванная. 1885 г.

Во многих произведениях Эдгар Дега показывает характерность поведения и облика людей, порожденную особенностями их быта, выявляет механизм профессионального жеста, позы, движения человека, его пластическую красоту. Искусству Дега присуще соединение прекрасного и прозаического; художник, как трезвый и тонкий наблюдатель, одновременно фиксирует скрывающийся за нарядной зрелищностью утомительный будничный труд.

Излюбленная техника пастели позволяла Эдгару Дега наиболее полно проявить свой талант рисовальщика. Насыщенные тона и «мерцающие» штрихи пастели помогали художнику создать ту особенную красочную атмосферу, ту переливчатую воздушность, которая так отличает все его работы.

В зрелые годы Дега часто обращается к теме балета. Хрупкие и невесомые фигурки балерин предстают перед зрителем то в полумраке танцевальных классов, то в свете софитов на сцене, то в короткие минуты отдыха. Кажущаяся случайность композиции и беспристрастная позиция автора создают впечатление подсмотренной чужой жизни, художник показывает нам мир грации и красоты, не впадая при этом в излишнюю сентиментальность.

Эдгара Дега можно назвать тонким колористом, его пастели удивительно гармоничны, то нежные и светлые, то построенные на резких цветовых контрастах. Манера Дега отличалась удивительной свободой, он накладывал пастель смелыми, ломаными штрихами, иногда оставляя проступающий сквозь пастель тон бумаги или добавляя мазки маслом или акварелью. Цвет в картинах Дега возникает из переливчатого сияния, из струящегося потока радужных линий, рождающих форму.

Поздние работы Дега выделяются интенсивностью и богатством колорита, которые дополняются эффектами искусственного освещения, укрупненными, почти плоскостными формами, стеснённостью пространства, придающей им напряженно-драматический характер. В этот

период Дега написал одну из своих лучших работ – «Голубые танцовщицы». Художник работает здесь большими цветовыми пятнами, придавая первостепенное значение декоративной организации поверхности картины. По красоте цветовой гармонии и композиционному решению картина «Голубые танцовщицы» может считаться лучшим воплощением темы балета у Дега, который добился в этой картине предельного богатства фактуры и цветовых сочетаний.

П. О. Ренуар. Автопортрет. 1875 г.

Пьер Огюст Ренуар (годы жизни 1841-1919) - французский живописец, график и скульптор, один из основных представителей импрессионизма. Ренуар известен, прежде всего, как мастер светского портрета, не лишённого сентиментальности. В середине 1880-х гг. фактически порвал с импрессионизмом, вернувшись к линейности классицизма в энгровский период творчества. Замечательный колорист, Ренуар часто добивается впечатления монохромности живописи с помощью тончайших сочетаний валёров, близких по цвету тонов.

П.О.Ренуар. Лягушатник. 1869 г.

Как большинство импрессионистов, Ренуар сюжетами своих картин выбирает мимолётные эпизоды жизни, отдавая предпочтение праздничным городским сценкам - балам, танцам, прогулкам («Новый мост», «Лягушатник», «Мулен да ла Галетт» и другие). На этих полотнах мы не увидим ни черного, ни темно-бурого цвета. Только гамма ясных и ярких цветов, сливающихся воедино, если смотреть на картины с определенного расстояния. Фигуры людей в этих картинах написаны в той же импрессионистской технике, что и окружающий их пейзаж, с которым они часто сливаются.

П. О. Ренуар. Портрет актрисы Жанны Самари. 1877 г.

Особое место в творчестве Ренуара занимают поэтичные и обаятельные женские образы: внутренне различные, но внешне слегка схожие между собой, они словно отмечены общей печатью эпохи. Кисти Ренуара принадлежат три различных портрета актрисы Жанны Самари. На одном из них актриса изображена в изысканном зелёно-голубом платье на розовом фоне. В этом портрете Ренуар сумел подчеркнуть лучшие черты своей модели: красоту, живой ум, открытый взгляд, лучезарную улыбку. Стиль работы художника очень свободный, местами до небрежности, однако это создаёт атмосферу необычайной свежести, душевной ясности и безмятежности.В изображении обнаженной натуры Ренуар достигает редкой изысканности карнаций (живопись цвета человеческой кожи), построенных на сочетании теплых телесных тонов со скользящими легкими зеленоватыми и серо-голубыми рефлексами, придающими гладкость и матовость поверхности полотна. В картине «Обнажённая в солнечном свете» Ренуар использует преимущественно основные и дополнительные цвета, полностью исключая чёрный цвет. Цветовые пятна, полученные при помощи мелких цветных мазков, дают характерный эффект слияния при отдалении зрителя от картины.

Надо отметить, что использование зеленого, желтого, охры, розового и красного тонов для изображения кожи шокировало публику того времени, неподготовленную к восприятию того факта, что тени должны быть цветными, наполненными светом.

В 1880-х годах в творчестве Ренуара начинается так называемый «энгровский период». Наиболее известное произведение этого периода - «Большие купальщицы». Для построения композиции Ренуар впервые стал использовать наброски и эскизы, линии рисунка стали чёткими и определёнными, краски утратили прежнюю яркость и насыщенность, живопись в целом стала выглядеть сдержанней и холоднее.

В начале 1890-х годов в ренуаровском искусстве происходят новые перемены. В живописной манере появляется переливчатость цвета, отчего этот период иногда именуют «перламутровым», затем этот период уступает место «красному», названному так из-за предпочтения оттенкам красноватых и розовых цветов.

Эжен Анри Поль Гоген (годы жизни 1848-1903) - французский живописец, скульптор и график. Наряду с Сезанном и Ван Гогом был крупнейшим представителем постимпрессионизма. Живописью начал заниматься в зрелом возрасте, ранний период творчества связан с импрессионизмом. Лучшие работы Гогена написаны на островах Таити и Хива-Оа в Океании, куда Гоген уехал от «порочной цивилизации». К характерным чертам стиля Гогена можно отнести создание на больших плоскостных полотнах статичных и контрастных по цвету композиций, глубоко эмоциональных и одновременно декоративных.

На картине «Жёлтый Христос» Гоген изобразил распятие на фоне типичного французского сельского пейзажа, страдающий Иисус окружён тремя бретонскими крестьянками. Умиротворение разлитое в воздухе, спокойные покорные позы женщин, насыщенный солнечным жёлтым цветом ландшафт с деревьями в красной осенней листве, крестьянин занятый вдали своими делами, не могут не входить в конфликт с тем, что происходит на кресте. Окружение резко контрастирует с Иисусом, на лице которого отображается та стадия страдания, которая граничит с апатией, безразличием ко всему его окружающему. Противоречие безграничных мук принимаемых Христом и «незамечаемость» этой жертвы людьми – вот главная тема этого произведения Гогена.

П. Гоген. А, ты ревнуешь? 1892 г.

Картина «А, ты ревнуешь?» относится к полинезийскому периоду творчества художника. В основе картины лежит сцена из жизни, подсмотренная художником:

на берегу две сестры - они только что искупались, и теперь их тела раскинулись на песке в непринуждённых сладострастных позах - беседуют о любви, одно воспоминание вызывает раздоры: «Как? Ты ревнуешь!».

В живописи сочной полнокровной красоты тропической природы, естественных, неиспорченных цивилизацией людей, Гоген изображал утопическую мечту о земном рае, о жизни человека в гармонии с природой. Полинезийские полотна Гогена напоминают панно по декоративности цвета, плоскостности и монументальности композиции, обобщённости стилизованного рисунка.

П. Гоген. Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идём? 1897-1898 гг.

Картину «Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идём?» Гоген считал возвышенной кульминацией своих размышлений. По замыслу художника картину нужно читать справа налево: три основные группы фигур иллюстрируют вопросы, поставленные в названии. Группа женщин с ребёнком в правой части картины представляют начало жизни; средняя группа символизирует ежедневное существование зрелости; в крайней левой группе Гоген изобразил человеческую старость, приближение к смерти; голубой идол на дальнем плане символизирует потусторонний мир. Эта картина является вершиной в новаторском постимпрессионистском стиле Гогена; в его стиле сочеталось чёткое использование красок, декоративность цветового и композиционного решения, плоскостность и монументальность изображения с эмоциональной выразительностью.

Творчество Гогена предвосхитило многие черты складывавшегося в этот период стиля модерн и оказало влияние на становление мастеров группы “Наби” и других живописцев начала XX века.

В. Ван Гог. Автопортрет. 1889 г.

Винсент Ван Гог (годы жизни 1853-1890) – французский и нидерландский художник-постимпрессионист, начал заниматься живописью, как и Поль Гоген, уже в зрелом возрасте, в 1880-х годах. До этого времени Ван Гог успешно работал дилером, затем учителем в интернате, позднее прошёл обучение в Протестантской миссионерской школе и проработал полгода миссионером в бедном шахтёрском квартале в Бельгии. В начале 1880-х годов Ван Гог обратился к искусству, посещал Академию художеств в Брюсселе (1880-1881) и Антверпене (1885-1886). В раннем периоде своего творчества Ван Гог писал этюды и картины в тёмной живописной гамме, выбирая сюжетами сцены из жизни шахтёров, крестьян, ремесленников. Работы этого периода Ван Гога («Едоки картофеля», «Старая церковная башня в Нюнене», «Башмаки») отмечают болезненно-острое восприятие людских страданий и чувства подавленности, гнетущая атмосфера психологической напряжённости. В своих письмах брату Тео художник писал об одной из картин этого периода «Едоки картофеля» следующее: «В ней я старался подчеркнуть, что эти люди, поедающие свой картофель при свете лампы, теми же руками, которые они протягивают к блюду, копали землю; таким образом, полотно говорит о тяжелом труде и о том, что персонажи честно заработали свою еду».В 1886-1888 гг. Ван Гог жил в Париже, посещал престижную частную художественную студию знаменитого на всю Европу педагога П. Кормона, изучал живопись импрессионизма, японскую гравюру, синтетические произведения Поля Гогена. В этот период палитра Ван Гога стала светлой, исчезли землистого оттенка краски, появились чистые голубые, золотисто-жёлтые, красные тона, характерный для него динамичный, как бы струящийся мазок («Агостина Сегатори в кафе «Тамбурин», «Мост через Сену», «Папаша Танги», «Вид на Париж из квартиры Тео на улице Лепик»).

В 1888 году Ван Гог переехал в Арль, где окончательно определилось своеобразие его творческой манеры. Пламенный художественный темперамент, мучительный порыв к гармонии, красоте и счастью и, одновременно, страх перед враждебными человеку силами, находят воплощение то в сияющих солнечными красками юга пейзажах («Жёлтый дом», «Жатва. Долина Ла-Кро»), то в зловещих, напоминающих ночной кошмар образах («Ночная терраса кафе»); динамика цвета и мазка

В. Ван Гог. Ночная терраса кафе. 1888 г.

наполняет одухотворённой жизнью и движением не только природу и населяющих её людей («Красные виноградники в Арле»), но и неодушевлённые предметы («Спальня Ван Гога в Арле»).

Напряжённая работа Ван Гога в последние годы сопровождалась приступами душевной болезни, которая привела его в больницу для душевнобольных в Арле, затем в Сен-Реми (1889–1890) и в Овер-сюр-Уаз (1890), где он покончил жизнь самоубийством. Творчество двух последних лет жизни художника отмечено экстатической одержимостью, предельно обострённой экспрессией цветовых сочетаний, резкими сменами настроения – от исступлённого отчаяния и мрачного визионерства (“Дорога с кипарисами и звездами”) до трепетного чувства просветления и умиротворения (“Пейзаж в Овере после дождя”).

В. Ван Гог. Ирисы. 1889 г.

В период лечения в клинике Сен-Реми Ван Гог пишет цикл картин «Ирисы». В его живописи цветов отсутствует высокая напряжённость и прослеживается влияние японских гравюр укиё-э. Это сходство проявляется в выделении контуров объектов, необычных ракурсах, наличии детально прорисованных областей и областей, залитых сплошным цветом, не соответствующим реальности.

В. Ван Гог. Пшеничное поле с воронами. 1890 г.

«Пшеничное поле с воронами» - картина Ван Гога, написанная художником в июле 1890 года и являющейся одной из самых знаменитых его работ. Картина была закончена предположительно 10 июля 1890 года, за 19 дней до его смерти в Овер-сюр-Уазе. Существует версия, что Ван Гог покончил жизнь самоубийством в процессе написания данной картины (выйдя на пленэр с материалами для рисования, выстрелил в себя из пистолета, приобретённого для отпугивания птичьих стай, в область сердца, затем самостоятельно добрался до лечебницы, где и скончался от потери крови).

Искусство и дизайн

6420

24.09.15 01:41

«Такая маленькая, ее явно переоценили!», – хмыкают некоторые туристы, специально пришедшие в Лувр, дабы увидеть здешнюю святыню, «Мону Лизу»… Лувр Лувром, но не стоит забывать, что и в самой Франции родилось немало знаменитых живописцев. Совершим краткую экскурсию в прошлое этой страны и вспомним лучших французских художников.

Самые лучшие французские художники

Великий классицист

Родившийся в конце XVI века Никола Пуссен с восторгом перенял приемы мастеров Высокого Возрождения, включая автора «Джоконды» да Винчи и Рафаэля. В его картинах часто присутствуют библейские персонажи, мифологические сюжеты (даже цикл пейзажей, посвященный временам года, и тот вдохновлен Библией). Нормандец Пуссен стоял у истоков классицизма, его вклад во французское искусство невозможно переоценить. В нашем Эрмитаже хранится его полотно «Отдых на пути в Египет».

Певец галантной эпохи

Антуан Ватто, появившийся на свет почти через два десятилетия после кончины Пуссена, прочно воцарился на «Олимпе» французских художников. В его время в Европе не было ни одного живописца, который мог бы с ним посостязаться в мастерстве. Он прожил всего 36 лет, но успел оставить немало шедевров. Бытовые сценки, пейзажи, портреты Ватто прелестны и изящны, его называют предтечей стиля рококо. Для поступления в Академию художеств юноша написал два варианта картины «Паломничество на остров Киферу» (одна хранится в Берлине, другая – в парижском Лувре). Эрмитаж приобрел несколько работ французского художника, среди которых полотно «Актеры Французской комедии».

Одаренный пейзажист

Первоклассный маринист и пейзажист Клод Жозеф Верне долгое время работал в Италии. Побережье Неаполя и могучий Тибр оставили след в его творчестве. В коллекцию Лувра входят «Вид моста и замка святого Ангела» и «Вид Неаполя с Везувием», а в Эрмитаже выставлены «Скалы у берега моря», «Утро в Кастелламаре» и некоторые другие шедевры мастера.

Коллеги-романтики

Представитель романтического течения в искусстве Эжен Делакруа родился на рубеже XVIII-XIX веков и получил хорошее образование. Он любил копировать шедевры старых мастеров – на них и оттачивал свое искусство. Эжен дружил с Александром Дюма и восхищался работами Жерико. Одни из самых известных картин Делакруа (он часто выбирал исторические сюжеты) – «Свобода на баррикадах» и «Смерть Сарданапала».

Еще один романтик, Теодор Жерико, был старше Делакруа всего на несколько лет, но являлся для коллеги большим авторитетом. Увы, судьба отмерила ему очень короткий срок – в 32 года живописец упал с лошади и разбился. Теодор предпочитал масштабные батальные сцены, копировал Рубенса, будучи страстным поклонником фламандца. Даже если вы не слышали имени этого французского художника, репродукции с шедевра Жерико «Плот «Медузы» (эта работа – гордость Лувра) наверняка встречали.

Вечный странник

Эжен Анри Поль Гоген у нас более известен. Постимпрессионист застал наступление ХХ века, но ушел довольно рано: умер в 54 года в 1903-м во Французской Полинезии. Говорят, гения сгубили недуги (самая страшная из них – неизлечимая проказа). В юности он много путешествовал: Поль служил простым матросом на военном судне, был кочегаром на кораблях торгового флота. Те впечатления, конечно, отразились в работах живописца. Он чуть было не посвятил жизнь брокерству, но вовремя остановился и отдался творчеству. Даже людям непосвященным знакомы яркие образы, созданные Гогеном, например, «Женщина, держащая плод».

Летящие силуэты

Любой из вас слышал выражение «Балерины Дега». Этот французский художник, действительно, черпал вдохновение в балетных школах и на репетициях. Его легкие пастельные мазки умудрялись запечатлеть изящные легкие наклоны головы, пируэты, поклоны, прыжки – мы видим это в полотнах импрессиониста «Урок танцев» или «Голубые танцовщицы». Широко известны и его бытовые сценки: «Абсент», «Гладильщицы».

Отец импрессионизма

Другой классик европейской живописи – Эдуард Мане (один из «отцов» импрессионизма) – как и Дега, любил изображать быт горожан: их прогулки в саду или пикники на природе. Его портреты отличаются простотой и безыскусностью, а в конце жизни он вдруг увлекся натюрмортами. Шедеврами мировой величины считаются «Олимпия», «Железная дорога», «Завтрак на траве».

Сентиментально и перламутрово

Излюбленным жанром Пьера Огюста Ренуара был портрет. Светские жеманницы, юные невинные девы, влюбленные парочки оживают под уверенными мазками кисти мастера. Начав как импрессионист, Пьер постепенно разочаровался в нем и примкнул к классицистам. Его искусство сентиментально и перламутрово. Посмотрите на «Девушек за фортепиано» или «Весенний букет», полотна будто светятся изнутри.

То ли крестьянин, то ли мыслитель…

Поль Сезанн с его словно высеченными из камня силуэтами на портретах и слегка «размазанными» пейзажами – яркий представитель постимпрессионизма. И в творчестве, и в жизни он был скуп на эмоции, немногословен и не очень эмоционален – что-то в нем было от крестьянина, что-то – от ученого-мыслителя. Интересно, что именно его шедевр «Игроки в карты» – одна из самых дорогих картин в мире (в 2012-м году его приобрели для коллекции эмира Катара за 250 млн. долларов).

Злой рок аристократа

Последний в нашем списке самых лучших французских художников – бедолага Анри Мари Раймон де Тулуз Лотрек. Почему бедолага? Да, он принадлежал к древнему графскому роду, но в 13 и 14 лет юноша умудрился сломать сначала бедро одной ноги, потом другой, из-за этого они перестали расти. Анри так и остался полукарликом-инвалидом. Невозможность сделать военную карьеру потрясла всю семью, а самого Анри подтолкнула к занятиям живописью. Он учился у мастеров (очень любил творчество Дега и Сезанна), а приехав в Париж, стал завсегдатаем кабаре и кабачков, спился, заразился сифилисом и умер в 37 лет. Его графические работы и картины получили признание уже после смерти. Портреты артисток «Мулен Руж» и проституток, к услугам которых был вынужден прибегать Тулуз Лотрек, сейчас считаются шедеврами.

“Новый мир родился тогда, когда импрессионисты написали его”

Анри Канвейлер

19 век. Франция. В живописи произошло невиданное. Группа молодых художников решила пошатнуть 500-летние традиции. Вместо четкого рисунка, они использовали широкий “небрежный” мазок.

А от привычных образов и вовсе отказывались. Изображая всех подряд. И дам лёгкого поведения, и господ сомнительной репутации.

Публика была не готова к живописи импрессионистов. Их высмеивали, ругали. А самое главное, ничего у них не покупали.

Но сопротивление было сломлено. И часть импрессионистов дожили до своего триумфа. Правда им было уже за 40. Как Клоду Моне или Огюсту Ренуару. Некоторые дождались признания лишь в конце жизни, как Камиль Писсарро. Кто-то до него не дожил, как Альфред Сислей.

Что же революционного совершил каждый из них? Почему публика так долго их не принимала? Вот 7 самых прославленных французских импрессионистов. Которых знает весь мир.

1. Эдуард Мане (1832 – 1883 гг.)

Эдуард Мане. Автопортрет с палитрой. 1878 г. Частная коллекция

Мане был старше большинства импрессионистов. Он был их главным вдохновителем на перемены.

Сам Мане на роль лидера революционеров не претендовал. Он был светским человеком. Мечтал об официальных наградах.

Но признания он ждал очень долго. Публика желала видеть греческих богинь. Или натюрморты на худой конец. Чтобы красиво смотрелись в столовой. Мане же хотел писать современную жизнь. Например, куртизанок.

В результате появился “Завтрак на траве”. Двое денди отдыхают в обществе дам лёгкого поведения. Одна из них как ни в чем ни бывало сидит рядом с одетыми мужчинами.

Эдуард Мане. Завтрак на траве. 1863 г. , Париж

Сравните его “Завтрак на траве” с работой Тома Кутюра “Римляне во времена упадка”. Картина Кутюра произвела фурор. Художник мгновенно прославился.

“Завтрак на траве” была обвинена в вульгарности. Беременным на полном серьезе не рекомендовали на неё смотреть.

Тома Кутюр. Римляне времён упадка. 1847 г. Музей д’Орсе, Париж. artchive.ru

На картине Кутюра мы видим все атрибуты академизма (традиционной живописи 16-19 вв.). Колонны и статуи. Люди аполонской внешности. Традиционные приглушённые цвета. Манерность поз и жестов. Сюжет из далекой жизни совсем другого народа.

“Завтрак на траве” Мане – другого формата. До него никто не изображал куртизанок вот так запросто. Рядом с респектабельными горожанами. Хотя многие мужчины того времени так и проводили свой досуг. Реальная жизнь реальных людей.

Однажды писал одну респектабельную даму. Некрасивую. Он не смог польстить ей с помощью кисти. Дама была разочарована. Ушла от него в слезах.

Эдуард Мане. Ангелина. 1860 г. Музей д’Орсе, Париж. Wikimedia.commons.org

Поэтому он продолжал экспериментировать. Например, с цветом. Он не пытался изобразить так называемый природный цвет. Если серо-бурая вода ему виделась ярко-синей, то он изображал ее ярко-синей.

Это, конечно, раздражало публику. Ведь даже Средиземное море не может похвастаться такой синевой, как вода у Мане, язвили они.

Эдуард Мане. Аржантей. 1874 г. Музей изящных искусств, Турне, Бельгия. Wikipedia.org

Но факт остаётся фактом. Мане вкорне изменил предназначение живописи. Картина становилась воплощением индивидуальности художника. Который пишет так, как ему заблагорассудится. Забыв о шаблонах и традициях.

Все новаторства ему долго не прощали. Признания дождался только под конец жизни. Когда оно уже ему было не нужно. Он мучительно угасал от неизлечимой болезни.

2. Клод Моне (1840 – 1926 гг.)

Клод Моне. Автопортрет в берете. 1886 г. Частная коллекция

Клода Моне можно назвать христоматийным импрессионистом. Так как он был верен этому направлению всю свою долгую жизнь.

Он писал не предметы и людей, а единую цветовую конструкцию из бликов и пятен. Раздельные мазки. Дрожание воздуха.

Клод Моне. Лягушатник. 1869 г. Музей Метрополитен, Нью-Йорк. Metmuseum.org

Моне писал не только природу. Ему удавались и городские пейзажи. Один из самых известных – .

В этой картине есть многое от фотографии. Например, движение передано с помощью размытого изображения.

Обратите внимание, дальние деревья и фигуры словно находятся в дымке.

Клод Моне. Бульвар Капуцинок в Париже. 1873 г. (Галерея искусства Европы и Америки 19-20 вв.), г. Москва

Перед нами остановленный момент бурлящей жизни Парижа. Никакой постановочности. Никто не позирует. Люди изображены как совокупность мазков. Такая бессюжетность и эффект “стоп-кадра” – главная черта импрессионизма.

К середине 80-х годов художники разочаровались в импрессионизме. Эстетика – это, конечно, хорошо. Но бессюжетность многих угнетала.

Лишь Моне продолжал упорствовать. Гипертрофируя импрессионизм. Что переросло в серии картин.

Один и тот же пейзаж он изображал десятки раз. В разное время суток. В разное время года. Чтобы показать, насколько температура и свет могут изменить один и тот же вид до неузнаваемости.

Так, появились бесчисленные стога сена.

Картины Клода Моне в Музее изящных искусств в Бостоне. Слева: Стога сена на закате в Живерни, 1891 г. Справа: Стог сена (эффект снега), 1891 г.

Обратите внимание, что тени на этих картинах цветные. А не серые или чёрные, как было принято до импрессионистов. Это ещё одна их фишка.

Моне успел насладиться успехом и материальным благополучием. После 40 он уже забыл о нищете. Он обзавёлся домом и прекрасным садом. И творил в своё удовольствие ещё долгие годы.

О самой знаковой картине мастера читайте в статье

3. Огюст Ренуар (1841 – 1919 гг.)

Пьер-Огюст Ренуар. Автопортрет. 1875 г. Институт искусства Стерлинга и Франсин Кларк, Массачусетс, США. Pinterest.ru

Импрессионизм – это самая позитивная живопись. А самым позитивным среди импрессионистов был Ренуар.

В его картинах вы не найдёте драмы. Даже чёрной краской он не пользовался. Только радость бытия. Даже самое банальное у Ренуара выглядит прекрасным.

В отличие от Моне, Ренуар чаще писал людей. Пейзажи для него были менее значимы. На его картинах отдыхают и наслаждаются жизнью его друзья и знакомые.

Пьер-Огюст Ренуар. Завтрак гребцов. 1880-1881 гг. Собрание Филлипса, Вашингтон, США. Wikimedia.commons.org

Не найдёте вы у Ренуара и глубокомыслия. Он был очень рад примкнуть к импрессионистам. Которые поголовно отказывались от сюжетов.

Как он сам говорил, наконец у него есть возможность написать цветы и назвать их просто “Цветы”. И не выдумывать никаких историй про них.

Пьер-Огюст Ренуар. Женщина с зонтиком в саду. 1875 г. Музей Тиссена-Бормениса, Мадрид. arteuam.com

Лучше всего Ренуар чувствовал себя в обществе женщин. Он просил своих служанок петь и шутить. Чем глупее и наивнее была песенка, тем лучше для него. А мужская болтовня его утомляла. Неудивительно, что Ренуар известен своими ню.

Модель на картине “Обнаженная в солнечном свете” словно проявляется на красочном абстрактном фоне. Потому что для Ренуара нет ничего второстепенного. Глаз модели или участок заднего фона равнозначны.

Пьер-Огюст Ренуар. Обнаженная в солнечном свете. 1876 г. Музей д’Орсе, Париж. wikimedia.commons.org

Ренуар прожил долгую жизнь. И никогда не откладывал кисть и палитру. Даже когда его руки совсем сковал ревматизм, он привязывал кисточку к руке веревкой. И рисовал.

Как и Моне, он дождался признания после 40 лет. И увидел свои картины в Лувре, рядом с работами знаменитых мастеров.

Об одном из самых обворожительных портретов Ренуара читайте в статье

4. Эдгар Дега (1834 – 1917 гг.)

Эдгар Дега. Автопортрет. 1863 г. Музей Галуста Гюльбенкяна, Лиссабон, Португалия. Cultured.com

Дега не был классическим импрессионистом. Он не любил работать на пленэре (открытом воздухе). У него вы не найдёте намеренно высветленной палитры.

Наоборот, он любил чёткую линию. Черного цвета у него предостаточно. И работал он исключительно в студии.

Но все же его всегда ставят в ряд с другими великими импрессионистами. Потому что он был импрессионистом жеста.

Неожиданные ракурсы. Ассиметрия в расположении объектов. Застигнутые врасплох персонажи. Все это главные атрибуты его картин.

Он останавливал мгновение жизни, не дав ему опомниться. Посмотрите хотя бы на его “Оркестр оперы”.

Эдгар Дега. Оркестр оперы. 1870 г. Музей д’Орсе, Париж. commons.wikimedia.org

На переднем плане спинка стула. Музыкант к нам спиной. А на заднем фоне балерины на сцене не уместились в “кадр”. Их головы беспощадно “обрезаны” краем картины.

Поэтому так любимые им танцовщицы далеко не всегда изображены в красивых позах. Порой они просто делают растяжку.

Но такая импровизация мнимая. Конечно, Дега тщательно продумывал композицию. Это лишь эффект стоп-кадра, а не настоящий стоп-кадр.

Эдгар Дега. Две балетные танцовщицы. 1879 г. Музей Шелбурн, Вермут, США

Эдгар Дега любил писать женщин. Но болезнь или особенности организма не позволяли ему иметь с ними физический контакт. Он никогда не был женат. Никто никогда не видел его с женщиной.

Отсутствие реальных сюжетов в его личной жизни добавляло тонкую и напряженную эротичность его образам.

Эдгар Дега. Звезда балета. 1876-1878 гг. Музей д’Орсе, Париж. wikimedia.comons.org

Обратите внимание, что на картине “Звезда балета” прорисована только сама балерина. Ее коллеги за кулисами еле различимы. Разве что несколько ног.

Это не значит, что Дега не закончил картину. Таков приём. Оставить в фокусе лишь самое главное. Остальное сделать исчезающим, неразборчивым.

О других картинах мастера читайте в статье

5. Берта Моризо (1841 – 1895 гг.)

Эдуард Мане. Портрет Берты Моризо. 1873 г. Мармоттан-Моне музей, Париж.

Берту Моризо редко когда ставят в первый ряд с великими импрессионистами. Уверена, не заслуженно. Как раз у неё вы встретите все главные черты и приёмы импрессионизма. И если вам импрессионизм нравится, вы полюбите ее работы всей душой.

Моризо работала быстро и порывисто. Перекладывая на холст своё впечатление. Фигуры словно вот-вот растворятся в пространстве.

Берта Моризо. Лето. 1880 г. Музей Фабре, Монпелье, Франция.

Как и Дега, она часто не дорисовала некоторых деталей. И даже части тела модели. Мы не можем различить рук у девушки на картине “Лето”.

Путь к самовыражению у Моризо был трудным. Мало того, что она занималась “небрежной” живописью. Она ещё была женщиной. В те времена женщине полагалось мечтать выйти замуж. После чего любые хобби забывались.

Поэтому Берта долго отказывалась от замужества. Пока не нашла мужчину, который уважительно отнёсся к ее занятию. Эжен Мане был родным братом художника Эдуарда Мане. Он покорно тоскал за женой мольберт и краски.

Берта Моризо. Эжен Мане с дочерью в Буживале. 1881 г. Мармоттан-Моне музей, Париж.

Но все же дело было в 19 веке. Нет, брюки Моризо носить не стала. Но полной свободы передвижения она себе позволить не могла.

Она не могла пойти в парк поработать в одиночестве. Без сопровождения кого-то из близких. Не могла посидеть одна в кафе. Поэтому ее картины – это люди из семейного круга. Муж, дочь, родственники.

Берта Моризо. Женщина с ребёнком в саду в Буживале. 1881 г. Национальный музей Уэльса, Кардифф.

Моризо признания не дождалась. Умерла она в 54 года от воспаления лёгких. Не продав при жизни почти ни одной своей работы. В свидетельстве о ее смерти в графе “род занятий” стоял прочерк. Немыслимо было женщине зваться художником. Даже если она им на самом деле была.

О картинах мастера читайте в статье

6. Камиль Писсарро (1830 – 1903 гг.)

Камиль Писсарро. Автопортрет. 1873 г. Музей д’Орсе, Париж. Wikipedia.org

Камиль Писсарро. Неконфликтный, рассудительный. Многие его воспринимали, как учителя. Даже самые темпераментные коллеги о Писсарро плохо не говорили.

Он был верным последователем импрессионизма. Сильно нуждаясь, имея пятерых детей и жену, он все равно упорно работал в том же стиле. И ни разу не переключился на салонную живопись. Чтобы стать более популярным. Не известно, откуда он брал силы до конца верить в себя.

Чтобы совсем не умереть с голоду, Писсарро расписывал веера. Которые охотно раскупали. А настоящее признание к нему пришло уже после 60 лет! Когда наконец он смог забыть о нужде.

Камиль Писсарро. Дилижанс в Лувесьенне. 1869 г. Музей д’Орсе, Париж

Воздух на картинах Писсарро густой и плотный. Необыкновенный сплав цвета и объёма.

Художник не боялся писать самые переменчивые явления природы. Которые покажутся на мгновение и исчезнут. Первый снег, морозное солнце, длинные тени.

Камиль Писсарро. Иней. 1873 г. Музей д’Орсе, Париж

Самые известные его работы – виды Парижа. С широкими бульварами, суетной и пестрой толпой. Ночью, днём, в разную погоду. В чем-то перекликаясь с сериями картин Клода Моне.

Во второй половине девятнадцатого века во Франции зарождается новое направление - импрессионизм. В его основе лежит стремление деятелей искусства самыми разнообразными средствами передать мимолетные впечатления от событий и явлений.

Импрессионизм в живописи

Проникнувшись особенностями этого направления, молодые французские художники начинают работать в данном стиле. С этого времени они пишут свои картины не в мастерской, как было раньше, а под открытым небом. Стремясь максимально доступно выразить свои впечатления, они создают совершенно новый метод живописи. Его основная идея заключается в передаче внешних ощущений тени и света на поверхности предметов с помощью раздельных мазков и исключительно чистых красок. Благодаря этому, различные формы, которые раньше выступали на первый план, теперь растворяются в наполненной жизнью воздушной среде.

В эпоху импрессионизма французские художники работают преимущественно в портретном и пейзажном жанрах, передавая свои впечатления от окружающих событий (зарисовки прогулок, сцены в кафе, на улице). В своих картинах они изображали естественную жизнь, где человек находится в непосредственном контакте с поражающей разнообразием ярких красок окружающей средой. Воздух, в который словно погружены предметы и люди, стал их основной темой.

Рассматривая работы импрессионистов, удивительным образом можно почувствовать ветер, землю, нагретую солнцем, и даже мороз - так метко французские художники передавали богатство естественного цвета. Это течение стало последним крупным девятнадцатого века.

Французские художники-импрессионисты. Клод Моне

Ему принадлежит важная роль в развитии импрессионизма в живописи. является создателем знаменитой картины «Впечатления. Восход солнца». Помимо этого шедевра, художник создал ряд не менее известных работ: «Женщины в саду» (где изобразил свою возлюбленную Камиллу), «Вид с церкви Сен-Жермен», «Набережная Лувра». Картины этого величайшего живописца представлены во многих музеях мира (в Париже, Нью-Йорке, Чикаго, Бостоне, Москве и Санкт-Петербурге).

Эдуард Мане

Его первым значительным произведением считается картина «Любительница абсента». Также огромной популярностью пользуется шедевр «Купание», выставленный в Салоне отверженных, где экспонируются работы, не принятые официальной комиссией. является автором многих картин, среди которых «Портрет родителей», «Завтрак на траве», «Олимпия», «Балкон».

Огюст Ренуар

Многие французские художники, писавшие в стиле импрессионизм, стремились передать жизнерадостное восприятие действительности. Данная тенденция особенно ярко выражена в творчестве Ренуара. Для своих картин он выбирал свежие молодые лица, непринужденные естественные позы. Наибольшую известность получили его работы «Бал в саду», «Зонтики».

Импрессионизм в современном русле

В наши дни основные идеи этого некогда популярного направления остаются актуальны. Современные французские художники в своих произведениях продолжают развивать данный стиль. Ведь пока в человеке живет потребность радоваться всему окружающему, импрессионизм, с его яркими красками и впечатляющими образами, будет и далее существовать.

Это была настоящая революция. Вместо тщательно выписанных мифологических сюжетов и равнодушно-красивых портретов на художественных выставках появилась реальная жизнь - многоцветная, не приукрашенная, производящая сильное впечатление. У истоков нового стиля стояли французские художники, чьи имена до сих пор почитаются во всем мире.

Основоположники импрессионизма

Название нового течения, которое стали применять не только в живописи, но и в поэзии и музыке, сначала имело пренебрежительное значение. Его породил критик Луи Леруа, использовав для обобщенного карикатурного наименования группы художников из круга Клода Моне (1840-1926) название картины последнего - «Впечатление. Восход солнца» (1872) (фр. Impression, soleil levan). Эти французские художники, чьи работы были не допущены на академическую художественную выставку в Париже, выставили свои работы в Салоне отверженных.

Первая выставка проходила в ателье фотографа Надара на бульваре Капуцинок в апреле-мае 1874 года. Участвовали в ней среди прочих и французские художники, чьи работы считаются первыми образцами истинно новой, прогрессивной живописи. Кроме Моне, это Эдгар Дега (1934-1917), Камиль Писсаро (1830-1903), Пьер Огюст Ренуар (1841-1919), Альфред Сислей (1839-1899), Берта Моризо (1841-1895), Фредерик Базиль (1841-1870). Особый стиль признается за Эдуардом Мане (1832-1883), который никогда не выставлялся с импрессионистами, но находился с ними в тесном взаимодействии и взаимовлиянии. Поль Сезанн (1839-1906), участвуя в выставках, разделял многие взгляды друзей, но потом начал искать и нашел свой путь, где реализм играл значительно меньшую роль. Он стал прямой предтечей формальных поисков первых авангардистов XX века.

Теоретические основы

Выставка в Салоне отверженных - не начало отсчета в истории импрессионизма, а период окончательного оформления этого течения. Свои взгляды на изображение природы французские импрессионисты - художники, несогласные с академическими воззрениями - высказывали за долгое время до этого. Пейзажи Моне, Сислея, Писсаро, Сезанна содержали попытку остановить мгновение, передать мимолетное чувство восхищения миром, наполненного красками и светом. Из-за этого их работы казались недоработанными, небрежными, слишком непохожими на привычные классические образцы.

Между тем влияние творчества таких мастеров прошлого, как Рубенс, Веласкес, Гойя, Делакруа, на ведущих мастеров импрессионизма очевидно. Кроме точности в рисунке, богатства взаимоотношений света и тени, изысканности цвета, французские художники учились внимательному наблюдению над натурой и свободе в выборе тем. Период обучения, когда будущий мастер едет в Италию, изучает музейные коллекции Венеции и Флоренции, копирует шедевры Возрождени,я есть в биографии каждого видного импрессиониста.

Прошло немало времени, пока всем стало ясно, что картины французских художников-импрессионистов носят характер истинно реалистической живописи, что обвинения их в неряшливости и неточности, несоблюдении перспективы, использовании неестественной красочной палитры по сути своей неверны. В их полотнах содержится призыв смотреть на окружающее внимательнее, различать богатство линий и оттенков.

Клод Моне

Не зря именно картина Клода Моне дала имя всему стилю. Этот художник одним из первых оценил значение работы на пленэре, с использованием красок в тюбиках, что позволяло запечатлеть пейзаж в естественном свете, без доработок в студии. «Бульвар Капуцинок» (1873), «Вокзал Сен-Лазар» (1877), «Руанский собор в солнце» (1894), «Водяные лилии» (1915) - это примеры удивительной для того времени свободы взгляда и новаторской живописной техники.

Эдгар Дега

Он любил работу в студии и не принимал стремлений импрессионистов работать только на пленэре. Излюбленных моделей он находил за кулисами театров, в кафешантанах, в мастерских и прачечных... В круг его интересов входила пастель, графика, скульптура. Дега никогда не придавал значения принадлежности к определенному течению, но его всегда зачисляли во французские импрессионисты. Художники этого стиля были близки Дега по выбору сюжетов, свежести и богатству палитры, и знаменитые "Танцовщицы" навсегда останутся одним из величайших шедевров импрессионизма.

Стиль, появившийся в конце XIX века во Франции, - удивительное явление. Сначала фамилии французских художников, нашедших новую дорогу в искусстве, награждались насмешливыми эпитетами, определяющими их как неумелых любителей, хулиганов в возвышенном мире искусства. Но оказалось, что избежать влияния их творческого метода не смогли все последующие поколения художников. Самые значительные коллекции живописи, как музейные, так и личные, не могут обойтись без присутствия французских импрессионистов, а любое их появление на аукционе - событие мирового масштаба.