Устройство музыкальной индустрии для чайников. Маркетинг музыкальной индустрии: методы, стратегия, план Современная тенденция развития концертной индустрии
Конкуренция в шоу-бизнесе привела к тому, что появляется маркетинг музыкальной индустрии. Когда аудиоискусство стало сферой предпринимательства, ему понадобились инструменты для продвижения своих продуктов. Маркетинг в музыке опирается на традиционные стратегии и методы, но, безусловно, имеет много специфических черт и особенностей.
Понятие маркетинга
Укрупнение производств, выпуск все большего количества товара высокого качества приводит к тому, что становятся необходимыми особые усилия для стимулирования покупательской активности. По мере повышения производительности возникают первые Первоначально он был направлен на усовершенствования товара и производства, но постепенно формируются современные представления о продвижении как об особой деятельности, направленной на удовлетворение потребностей при помощи обмена. Сегодня под маркетингом понимается особая коммуникация между производителем и покупателем, которая приводит к удовлетворению потребностей. Он призван помочь покупателю и продавцу достичь своих целей. В этом смысле маркетинг музыкальной индустрии также является специфическим взаимодействием производителя и потребителя. Продюсер предлагает на аудиорынке товар, который позволит слушателю удовлетворить свои потребности.
Появление музыкального маркетинга
Возникновение музыкального маркетинга связано с формированием индустрии развлечений и досуга. Когда появляется шоу-бизнес, сфера в которой люди зарабатывают деньги на предоставлении развлекательных услуг, появляется и необходимость максимально полно удовлетворять потребности рынка. Чем больше росла конкуренция, тем сильнее ощущалась потребность в специальных усилиях по реализации создаваемого продукта. Зачатки музыкального маркетинга можно обнаружить еще в давние времена. Например, отец Моцарта выполнял, по сути, функцию продюсера музыканта: он отбирал репертуар, вел пропагандистскую деятельность с целью организации концертов. Композитор и исполнитель являлся средством для извлечения прибыли и для удовлетворения потребностей публики в развлечении. Но в полном смысле слова музыкальный маркетинг появляется только на этапе высокого развития развлекательной индустрии. Только с перенасыщением рынка и большой конкуренцией возникает необходимость продуманного продвижения музыкального продукта.
Формирование музыкальной индустрии
Шоу-бизнес включает в себя несколько отраслей: кинематограф, театр и зрелища, музыку. Аудиоиндустрия - это отрасль мировой экономики, которая извлекает прибыль путем реализации музыкального продукта или услуги. Человек испытывает потребность в прослушивании музыки с самых древних времен, феномен ее воздействия на психику до конца не изучен. Однако очевидно, что она тесно связана с эмоциями, которые являются глубинным человеческим переживанием. Именно с ними и связывают значимость музыки в жизни человека. Раз существует спрос, то, естественно, возникает и предложение. Музыкальная индустрия возникает вместе с возможностями массового распространения аудиопродукта, то есть вместе с техническим прогрессом. Шоу-бизнес появляется вместе с публичными зрелищами, исследователи по-разному определяют дату его рождения: от XI до XIX века. Но так как первые законодательные акты, регулирующие организацию публичных шоу, появились только в середине XIX века, то именно отсюда традиционно ведется отсчет. Музыкальная индустрия формируется с появлением граммофонной записи, которая начинает распространять музыкальный продукт в массы. Следующие революционные этапы связаны с возникновением радио и телевидения. Впоследствии индустрия только набирает обороты, совершенствуются носители звука, растут тиражи и конкуренция. Ежегодно рынок музыкальной индустрии продолжает увеличиваться на несколько процентов, особенно заметен рост в интернет-сегменте. Сегодня без продвижения невозможно реализовать ни один музыкальный проект, даже с самыми талантливыми исполнителями.
Музыка как товар
Песни, исполнения аудиопроизведений, музыкальные группы и солисты являются средством извлечения прибыли. Особенность музыки как объекта продвижения заключается в том, что она одновременно сочетает свойства товара и услуги. Аудиопродукт должен удовлетворять потребность слушателя, иметь определенное качество и соответствующую ему цену, он должен обладать престижностью и потребительской ценностью, как любой товар. Кроме того, музыка, как и услуга, неотделима от исполнителя, она неосязаема, результат ее потребления невозможно предугадать. При этом аудиопродукт является товаром, так как имеет цену, качество, может удовлетворять потребность и требует продвижения от производителя к покупателю.
Профессия: продюсер
Важнейшую роль в создании и продвижении музыкального продукта играет музыкальный продюсер. Он задумывает продукт, подбирает исполнителя и материал в соответствии с потребностями рынка. Он хорошо понимает тенденции рынка, может влиять на вкусы и желания публики, способен предугадывать потребности слушателей. Музыкальный продюсер также материально обеспечивает создание продукта, он находит технику, покупает музыку, тексты, оплачивает труд исполнителей и сопровождающего персонала. И еще одна важнейшая функция продюсера - это обеспечение продаж продукта, он планирует маркетинговые мероприятия, организует туры и концерты. Продюсер - центральная фигура в музыкальной индустрии, он является специалистом по маркетингу и менеджменту одновременно.
Цели и задачи маркетинга
Маркетинг музыкальной индустрии, как и любой другой, имеет самую главную цель - это увеличение продаж. Но для того чтобы повысить спрос, необходимо решить сопутствующие задачи. Важной целью музыкального маркетинга является распространение информации о продукте и исполнителе. Только высокая осведомленность может привести к покупке. Еще одна задача маркетинга - создать продукт, удовлетворяющий потребности слушатели. Поэтому каждый исполнитель должен иметь не только уникальное качество, но и уникальное позиционирование. Музыкальный маркетинг должен поддерживать постоянную коммуникацию между слушателем и исполнителем, учитывать изменения в восприятии товара, формировать лояльное отношение к товару со стороны потребителя.
Объекты продвижения
В музыкальном маркетинге существует несколько объектов продвижения. В первую очередь это исполнитель или группа. Когда на музыкальном рынке появляется новое имя, задачами маркетинга становится создание осведомленности о нем у целевой аудитории. Раскрутка групп и солистов начинается с того, что разрабатывается позиционирование, а уж затем планируется коммуникация, формируется и стимулируется спрос. Исполнитель также нуждается в брендинге, каждый музыкант стремится стать брендом, ведь это ведет к постоянным высоким продажам. Также объектом продвижения может быть аудиопродукт. Пластинка, концерт, фильм - все это требует продуманного рекламного плана, чтобы максимизировать спрос и прибыль. Музыкальные хиты чаще всего появляются в результате продуманных маркетинговых усилий.
Стратегия маркетинга
Долгосрочный план развития товара называют маркетинговой стратегией. Для того чтобы разработать стратегию, нужно хорошо представлять себе состояние рынка и специфику сегмента, на который продвигается товар. Музыкальный маркетинг как особая деятельность не может применять все существующие маркетинговые стратегии. Здесь нужен специальный подход, который учтет особенности музыкального продукта. Наиболее приемлемы стратегии интенсивного роста, которые базируются на повышении маркетинговых усилий на существующих рынках. Также возможно применять стратегию глубокого проникновения на рынок, в этом случае маркетинговые программы стимулируют покупку большего количества товара, а также и услуг. Стратегии должны способствовать долгосрочному и устойчивому спросу, поэтому на музыкальном рынке чрезвычайно важен имидж исполнителя, который необходимо тщательно планировать и поддерживать.
Целевая аудитория музыкального маркетинга
Маркетинг музыкальной индустрии базируется на понятии то есть на выявлении особой целевой аудитории, для которой и разрабатывается данный продукт. Определение сегмента чрезвычайно важно для успешного сбыта продукта. Выделение целевой аудитории на музыкальном рынке чаще всего производится по следующим параметрам: возраст, пол и образ жизни. Существует продукт для молодежи, детей и зрелых людей, музыка для мужчин и женщин. Образ жизни, интересы, вкусы также являются критерием выделения целевой аудитории. Можно увидеть, что сегодня на всех рынках, в том числе и музыкальном, происходит демассификация, производятся продукты для все более узких аудиторий. Так, есть музыка для любителей корейских сериалов или для готов. Это позволяет сбывать больше товара.
Методы продвижения
В маркетинге существуют четыре основных метода достижения целей: это стимулирование спроса, прямые продажи, PR и реклама. Все четыре элемента комплекса маркетинга используются в продвижении музыкального продукта, но используются чаще, чем стимулирование спроса. Продвижение песни без рекламы и PR невозможно. Для того чтобы альбомы покупались, необходимо формировать осведомленность и спрос, и для этого используются такие методы, как прямая медийная реклама - размещение информационных материалов в СМИ, а также инструменты BTL - ивент-маркетинг, коммуникации через социальные сети, интернет-маркетинг.
План продвижения музыкального продукта
Исходя из выбранной стратегии маркетинга, вырабатывается план продвижения исполнителя или группы. На первом этапе необходимо определить цели продвижения, это может быть, например, формирование осведомленности или поддержание известности. Затем планируется деятельность по трем направлениям: промоушн (размещение продукта в теле- и радиопередачах), паблисити (создание информационного шума вокруг продукта, запуск легенд и сплетен, раздача интервью, размещение в рейтингах, создание журналистских материалов), перфоманс (организация живого общения между исполнителем и слушателем, организация концертных выступлений, автограф-сессий). Музыкальные группы и солисты должны быть постоянно на слуху, поэтому необходимо задействовать разнообразные средства рекламы и PR для обеспечения постоянного присутствия исполнителя в информационном поле слушателя.
Бренды в музыке
Маркетинг в музыкальном искусстве изначально связан с созданием звезд, то есть брендов. Для того чтобы слушатель доверял исполнителю, чувствовал к нему симпатию и привязанность необходимо тщательно продумать имидж будущей звезды. Раскрутка групп или солистов начинается с создания названия, которое должно содержать некую философию, посыл, на основе которого впоследствии будет планироваться коммуникация со слушателями. Следующий шаг - это создание личной истории. Фанаты хотят знать о своем кумире все, поэтому начнут искать информацию о его личной жизни, прошлом, и продюсер должен заранее позаботиться о продающем мифе. Например, легендой мега-популярной группы «Ласковый май» была история про детей из детского дома, это придавало коллективу дополнительный ореол жалости и способствовало популярности. Также необходимо продумать внешний вид исполнителя, чтобы он соответствовал ожиданиям целевой аудитории. Кроме того, следует сформулировать ключевое сообщение, которое нужно будет закреплять в головах слушателей. Например, Стас Михайлов позиционируется как певец для зрелых, разведенных женщин, в этом и состоит его конкурентное преимущество. После того как все элементы бренда созданы, необходимо систематически поддерживать имидж исполнителя.
Мировой опыт музыкального маркетинга
Сегодня музыкальные хиты рождаются не только благодаря таланту композиторов и исполнителей, но чаще всего благодаря усилиям продюсеров. Современная индустрия поставила процесс рождения звезд на поток. Безусловно, для старта необходим талантливый материал, но больше нужен грамотный продюсер, которому знакомы эффективные маркетинговые методы производства музыкальных брендов. Ярким примером такой работы продюсеров являются, например, Леди Гага, Джастин Бибер или группа "Виагра".
До появления современных портативных источников воспроизведения звука, цифрового сигнала и музыки, процесс записи и воспроизведения звука прошел долгий путь развития. На рубеже XIX-XX вв. музыкальная индустрия имела определенную систему, в которую входили: концертно-гастрольная деятельность, продажа нот и инструментов. В XIX веке основной формой музыкального товара являлась нотно-печатная продукция. В конце XIX века появление аппаратов для записи и воспроизведения звука, и как следствие появление звукозаписывающих компаний, привело к существенному изменению структуры музыкальной индустрии и появлению вначале XX века такого феномена как музыкальный бизнес .
Природа человека такова, что он не представляет жизни без звуков, гармонии и музыкальных инструментов. На протяжении нескольких тысячелетий музыканты оттачивали свое мастерство в игре на лире, варгане, лютне или цистре. Но для того, чтобы порадовать слух высокопоставленных заказчиков, всегда требовалось присутствие труппы профессиональных музыкантов. Так возникла потребность записи музыки с возможностью ее дальнейшего воспроизведения без участия человека. К тому же, своему возникновению музыкальный бизнес в первую очередь обязан появлению звукозаписи.
Считается, что первым устройством воспроизведения звука было изобретение древнегреческого изобретателя Ктесибия - "гидравлос" . Первые описания данной конструкции находятся в рукописях позднеантичных писателей - Герона Александрийского, Витрувия и Афинея. В 875 году братья Бану Муса позаимствовав идею из рукописей древнегреческого изобретателя, представили миру свой аналог устройства для воспроизведения звуков - "водный орган" (рис. 1.2.1.) . Его принцип работы был чрезвычайно прост: равномерно вращающийся механический валик с искусно расположенными выступами ударял по сосудам с разным количеством воды, что влияло на высотку звуков, таким образом заставляя звучать наполненные трубки. Спустя несколько лет братья представили и первую "автоматическую флейту", в основу работы которой также лег принцип "водного органа". Вплоть до XIX века именно изобретения братьев Бану Муса являлись единственным доступным способом программируемой звукозаписи .
Рис. 1.2.1. Изобретение братьев Бану Муса - "водный орган"
Начиная с XV в. эпоху возрождения накрыла мода на механические музыкальные инструменты. Открывает парад музыкальных инструментов с принципом действия братьев Бану Муса - шарманка. В 1598 году появляются первые музыкальные часы, в середине XVI в. - музыкальные шкатулки. Также первоначальными попытками массового распространения музыки, являлись так называемые "баллады-листовки" - напечатанные на бумаге стихи с нотами в верхней части листа, которые впервые появились в Европе в XVI-XVII вв. Этот способ распространения тогда никем не контролировался. Первым осознанно-контролируемым процессом массового распространения музыки, являлось - тиражирование нот .
В первой половинае XIX века была продолжала тенденция развития механических музыкальных инструментов - ящиков, табакерок - все эти приспособления имели весьма ограниченный набор мелодий и могли воспроизводить ранее "сохраненный" мастером мотив. Записывать человеческий голос или звучание акустического инструмента с возможностью его дальнейшего воспроизведения не представлялось возможным вплоть до 1857 года .
Первым в мире звукозаписывающим аппаратом является - фоноавтограф (рис. 1.2.2.) , который был изобретен в 1857 году Эдуардом Леоном Скоттом де Мартенвилем. Принцип работы фоноавтографа заключался в записи звуковой волны, посредством улавливания вибраций через специальный акустический рупор, на конце которого располагалась игла. Под действием звука игла начинала вибрировать, рисуя прерывистую волну на вращаемом стеклянном валике, поверхность которого покрыта либо бумагой, либо копотью .
Рис. 1.2.2.
К сожалению, изобретение Эдуарда Скотта не умело воспроизводить записанный фрагмент. Несколько лет назад в парижском архиве был найден 10-секундный отрывок записи народной песни "Лунный свет", исполненной самим изобретателем 9 апреля 1860 года. В дальнейшем конструкция фоноавтографа была взята за основу для создания других аппаратов записи и воспроизведения звука .
В 1877 году создатель "лампы накаливания" Томас Эдисон закончил работу над совершенно новым звукозаписывающим устройством - фонографом (рис. 1.2.3.) , который спустя год он запатентовал в соответствующем ведомстве США. Принцип работы фонографа напоминал фоноавтограф Скотта: покрытый воском валик выступал в роли звуконосителя, запись на который осуществлялась при помощи иглы, подсоединенной к мембране - прародителю микрофона. Улавливая звук через специальный рупор, мембрана приводила в действие иглу, которая оставляла углубления на восковом валике .
Рис. 1.2.3.
Записанный звук впервые можно было воспроизвести, используя то же устройство, на котором и производилась сама запись. Однако, механической энергии было недостаточно для получения номинального уровня громкости. В то время фонограф Томаса Эдисона перевернул весь мир: сотни изобретателей стали экспериментировать с использованием различных материалов для покрытия цилиндра-носителя, а в 1906 году состоялся первый публичный концерт-прослушивание . Фонографу Эдисона аплодировал переполненный зал. В 1912 году мир увидел дисковый фонограф , в котором вместо привычного воскового валика стал использоваться диск, значительно упростивший конструкцию. Появление дискового фонографа хоть и имело интерес общественности, при этом с точки зрения эволюции звукозаписи практического применения так и не нашло .
В дальнейшем, начиная с 1887 году изобретатель Эмиль Берлинер активно развивал собственное видение звукозаписи при помощи собственного устройства - граммофона (рис. 1.2.4.) . В качестве альтернативы восковому барабану Эмиль Берлинер предпочел более прочный целлулоид. Принцип записи оставался прежним: рупор, звук, колебания иглы и равномерное вращение диска-пластинки .
Рис. 1.2.4.
Эксперименты, которые проводились со скоростями вращения записываемого диска-пластинки позволили увеличить время записи одной стороны пластинки до 2-2,5 минут при скорости вращения в 78 оборотов за минуту. Записанные диски-пластины помещались в специальные картонные чехлы (реже кожаные) из-за чего в дальнейшем получили название "альбомов" - внешне они очень напоминали фотоальбомы с достопримечательностями городов, повсеместно реализуемых в Европе.
Заменой громоздкому граммофону стал усовершенствованный и доработанный в 1907 году Гильоном Кеммлером аппарат - патефон (рис. 1.2.5.) .
Рис. 1.2.5.
Данное устройство имело маленький рупор встроенный в корпус, с возможностью размещения всего устройства в одном компактном чемодане, что привело к быстрой популяризации патефона. В 1940-х гг. появилась более компактная версия устройства - мини-патефон, получивший особую популярность среди солдат .
Появление пластинок значительно расширило музыкальный рынок, так как их, в отличие от нот, мог приобрести абсолютно любой слушатель. Долгие годы грампластинки являлись основными носителями звукозаписи и основным музыкальным товаром. Грампластинка уступила место другим носителям музыкального материала лишь только в 1980-х гг. С начала 1990-х гг. и по настоящее время, продажи пластинок составляют единицы или даже доли процента от общего оборота аудиопродукции. Но, даже после такого спада продаж пластинки не исчезли и сохранили до наших дней свою незначительную и небольшую аудиторию среди меломанов и коллекционеров.
Появление электричества положило начало новому этапу эволюции звукозаписи. С 1925 года начинается - "эра электрической звукозаписи" с использованием микрофона и электродвигателя (взамен пружинному механизму) для вращения пластинки . Арсенал устройств, позволяющих осуществлять как звукозапись, так и ее дальнейшее воспроизведение пополнилось модифицированной версией граммофона - электрофоном (рис. 1.2.6.) .
Рис. 1.2.6.
Появление усилителя позволило вывести звукозапись на новый уровень: электроакустические системы получили громкоговорители, а необходимость в форсации звука через рупор осталось в прошлом. Все физические усилия человека стала выполнять электрическая энергия. Все эти и другие изменения совершенствовали акустические возможности, а также увеличивали роль продюсера в процессе звукозаписи, что кардинально изменило ситуацию на музыкальном рынке.
Параллельно с индустрией звукозаписи, также начинало развиваться радио. Регулярное радиовещание началось еще в 1920-е гг. Вначале, для популяризации новых технологий на радио приглашались актеры, певцы, оркестры, и это способствовало появлению огромного спроса на радиоприемники. Радио стало необходимостью для огромной аудитории и конкурентом фонографической промышленности. Однако вскоре была обнаружена прямая зависимость от звучания пластинок в эфире и увеличением продаж этих пластинок в магазинах. Возросла потребность в музыкальных комментаторах, так называемых "диск-жокеях", которые не просто ставили пластинки на проигрыватель, а способствовали продвижению новых записей на музыкальном рынке .
В первой половине XX века базовая модель музыкальной индустрии претерпела значительные изменения. Звукозапись, радио и другие достижения научно-технического прогресса многократно расширили первоначальную аудиторию музыкального бизнеса и способствовали возникновению и распространению новых музыкальных стилей и направлений, например электронной музыки. Они предложили публике более привлекательный товар и органично вписывались в те формы, которые были распространены в XIX веке .
Одна из основных проблем звукозаписывающих устройств того времени, заключалась в длительности звукозаписи, которая была впервые решена советским изобретателем Александром Шориным. В 1930 году он предложил в качестве оперативной записи использовать кинопленку, проходящую через пишущий электрический узел с постоянной скоростью. Устройство получило название шоринофона , но качество записи оставалось пригодным исключительно для дальнейшего воспроизведения голоса, на 20 метровой киноленте уже можно было разместить около 1 часа записи .
Последним отголоском электромеханической записи стала так называемая "говорящая бумага", предложенная в 1931 году советским инженером Б.П. Скворцовым. Звуковые колебания записывались на обычную бумагу с помощью пера, рисующего черными чернилами. Такую бумагу можно было легко скопировать и передать. Для воспроизведения записанного использовался мощная лампа и фотоэлемент. В 1940-е гг. прошлого века уже были покорены новым способом звукозаписи - магнитным .
История развития магнитной звукозаписи практически все время шла параллельно механическим способам записи, но оставалась в тени вплоть до 1932 года. Еще в конце XIX века, вдохновленный изобретением Томаса Эдисона американский инженер Оберлин Смит, занимался изучением вопроса звукозаписи. В 1888 году вышла статья, посвященная использованию явления магнетизма при звукозаписи. Датский инженер Вальдемар Поульсен, после десяти лет экспериментов в 1898 г. получил патент на использование стальной проволоки в качестве звуконосителя. Так появилось первое устройство звукозаписи, в основе которого лежал принцип магнетизма - телеграфон . В 1924 году изобретатель Курт Штилле совершенствовал детище Вальдемара Поульсена и создал первый диктофон на основе магнитной ленты. В дальнейшую эволюцию магнитной звукозаписи вмешалась компания AEG, выпустившая в середине 1932 года прибор Магнитофон-К 1 (рис. 1.2.7.) .
Рис. 1.2.7.
Применяя в качестве покрытия пленки оксид железа, компания BASF произвела настоящую революцию в мире звукозаписи. Использование подмагничивание переменным током, инженеры получили совершенно новое качество звучания. Начиная с 1930 года и вплоть до 1970 года мировой рынок был представлен катушечными магнитофонами самых различных форм-факторов и с самыми различными возможностями. Магнитная лента открыла творческие двери перед тысячами продюсеров, инженеров и композиторов, которые получили возможность экспериментировать со звукозаписью не в промышленных масштабах, а прямо в собственной квартире.
Еще больше поспособствовало таким экспериментам появление в середине 1950-х гг. многодорожечных магнитофонов. На одну магнитную ленту стало возможным производить запись сразу нескольких источников звука. В 1963 году выходит 16-дорожечный магнитофон, в 1974 году - 24-дорожечный, а через 8 лет компания Sony предложила улучшенную схему цифровой записи DASH-формата на 24-дорожечный магнитофон .
В 1963 году компания Philips представила первую компакт-кассету (рис. 1.2.8.) , которая в дальнейшем стала главным массовым форматом воспроизведения звука. В 1964 году в Ганновере было запущено серийное производство компактных кассет. В 1965 году компания Philips инициировала производство музыкальных кассет, а в сентябре 1966 году на территории США в продажу поступили первые продуктов двухгодичных промышленных экспериментов компании. Ненадежность конструкции и сложности, которые возникали с записью музыки, сподвигли производителей к дальнейшим поискам эталонного носителя информации. Эти поиски стали результативными для компании Advent Corporation, представившей в 1971 году кассету на основе магнитной ленты, при производстве которой использовался оксид хрома .
Рис. 1.2.8.
Кроме того, появление магнитной ленты, как носителя аудиозаписи, дало пользователям недоступную ранее возможность самостоятельного тиражирования записей. Содержимое кассеты можно было переписать на другую бобину или кассету, получив тем самым пусть не 100% точную, но вполне пригодную для прослушивания копию. Впервые в истории носитель и его содержимое перестали быть единым и неделимым продуктом. Возможность тиражирования записей в домашних условиях изменила восприятие и пути распространения музыки среди конечных пользователей, но изменения эти не стали радикальными. Люди все так же покупали кассеты с записями, поскольку это было гораздо удобнее и не намного дороже, чем делать копии. В 1980-х гг. количество пластинок продавалось в 3-4 раза больше, чем кассет, но уже в 1983 году они делили рынок поровну. Пик продаж компакт-кассет пришелся на середину 1980-х гг., а заметный спад продаж начался только в начале 1990-х гг. .
В дальнейшем идеи звукозаписи, заложенные еще в конце XIX веке Томасом Эдисоном, во второй половине XX века привели к использованию лазерного луча. Таким образом, на смену магнитной ленте пришла "эра лазерно-оптической звукозаписи" . В основу оптической звукозаписи лег принцип образования на компакт-диске спиральных дорожек, состоящих из гладких участков и впадин-питов. Лазерная эра позволила представить звуковую волну в сложную комбинацию нулей (гладких участков) и единиц (питов) .
В марте 1979 года компания Philips продемонстрировала первый прототип компакт-диска, а уже через неделю нидерландский концерн заключил соглашение с японской компанией Sony, утвердив новый стандарт аудиодисков, которые были приняты в производство в 1981 году. Компакт-диск представлял собой оптический носитель информации в виде пластикового диска с отверстием в центре, прообразом этого носителя являлась граммофонная пластинка. Компакт-диск вмещал в себе 72 минуты высококачественной аудиозаписи, а также он был значительно меньше виниловых пластинок, его диаметр составлял всего 12 см против 30 см винила, при почти вдвое большей емкости. Несомненно, это делало его более удобным в использовании .
В 1982 году Philips презентовала первый проигрыватель компакт-дисков, по качеству воспроизведения превзошедший все до этого представленные носители. Первым коммерческим альбомом, записанным на новом цифровом носителе, был легендарный "The Visitors" группы ABBA, который был анонсирован 20 июня 1982 года А в 1984 году компания Sony выпустила первый портативный проигрыватель компакт-дисков - Sony Discman D-50 (рис. 1.2.9.) , стоимость которого на то время составляла $350 .
Рис. 1.2.9.
Уже в 1987 году продажи компакт-дисков превысили продажи грампластинок, а в 1991 году компакт-диски уже существенно потеснили с рынка и компакт-кассеты. На начальном этапе компакт-диск сохранял главную тенденцию развития музыкально рынка - между аудиозаписью и носителем можно было ставить знак равенства. Послушать музыку можно было только с диска, записанного на заводе. Но, этой монополии не суждено было продлиться долго .
Дальнейшее развитие эры лазерно-оптических компакт-дисков привело к появлению в 1998 году стандарта DVD-Audio, выходу на рынок звука с различным числом звуковых каналов (от моно до пятиканального). Начиная с 1998 года компании Philips и Sony продвигали альтернативный формат компакт-дисков - Super Audio CD. Двухканальный диск позволил хранить до 74 минут звучания как в стереофоническом, так и в многоканальном формате. Вместительность в 74 минуты была определена оперным певцом, дирижером и композитором Нориа Ога, который на тот момент занимал и должность вице-президента корпорации Sony. Параллельно с развитием CD-дисков уверенно развивалось и кустарное производство - копирование носителей. Звукозаписывающие компании впервые задумались о необходимости цифровой защиты данных с использованием шифрования и водяных знаков .
Несмотря на универсальность и удобство использования компакт-дисков, им был присущ внушительный перечень недостатков. Одним из главных являлась чрезмерная хрупкость и необходимость бережного обращения. Время записи CD-носителя было также существенно ограничено и индустрия звукозаписи усиленно искала альтернативный вариант. Появление на рынке магнитооптического мини-диска так и осталось незамеченным рядовыми почитателями музыки. Mini-Disk (рис. 1.2.10.) - разработанный компанией Sony еще в 1992 году, так и остался достоянием звукорежиссеров, исполнителей и людей, напрямую связанных со сценической деятельностью .
Рис. 1.2.10.
При записи мини-диска использовалась магнитооптическая головка и лазерный луч, прорезающий на высокой температуре участки с магнитооптическим слоем. Главным преимуществом мини-диска перед традиционными CD являлась его улучшенная защищенность и более длительный срок эксплуатации. В 1992 году компания Sony представила и первый плеер для формата носителей типа мини-диск. Модель плеера получила особую популярность в Японии, а вот за пределами страны как первенец - плеер Sony MZ1, так и его усовершенствованные потомки, приняты не были. Так или иначе, прослушивание компакт или мини-диска больше подходило исключительно для стационарного использования .
В конце XX века пришла "эра высоких технологий" . Появление персональных компьютеров и глобальной сети Интернет открыли совершенно новые возможности и значительно изменили ситуацию на музыкальном рынке. В 1995 году в институте Фраунгофера был разработан революционный формат сжатия аудиоданных - MPEG 1 Audio Layer 3 , который получил сокращенное имя MP3. Главной проблемой начала 1990-х гг. в сфере цифровых носителей являлось недоступность достаточного размера дискового пространства для размещения цифровой композиции. Средний размер жесткого диска самого навороченного персонального компьютера на тот момент с трудом превышал несколько десятков мегабайт .
В 1997 году на рынок вышел первый программный плеер - "Winamp" , разработкой которого занималась компания Nullsoft. Появление кодека mp3 и дальнейшая его поддержка со стороны производителей CD-плееров привела к постепенному снижению продаж CD-дисков. Выбирая между качеством звучания (которое реально ощущал лишь небольшой процент потребителей) и максимально возможным количеством композиций, которые можно было записать на один CD-диск (в среднем, разница составляла около 6-7 раз), слушатель выбирал последнее .
За несколько лет ситуация изменилась кардинально. В 1999 году 18-летний Шон Фаннинг, создал специализированный сервис, под названием - "Napster" , который поверг в шоке всю эру музыкального бизнеса. При помощи этого сервиса, обмениваться музыкой, записями и прочим цифровым контентом стало возможно прямо через Интернет. Спустя два года, за нарушение авторских прав со стороны музыкальной индустрии данный сервис был закрыт, но механизм был запущен и эра цифровой музыки продолжала развиваться уже бесконтрольно: сотни пиринговых сетей, оперативно регулировать работу которых было очень сложно .
Радикальный поворот в способе получения и прослушивания музыки произошел, когда воедино сошлись три составляющих: персональный компьютер, Интернет и портативные флеш-плееры (портативные устройства, способные воспроизводить музыкальные треки, записанные на встроенном жестком диске или флеш-памяти). В октябре 2001 года на музыкальном рынке появляется компания Apple, представившая миру первое поколение абсолютно нового типа портативного медиа-плеера - iPod (рис. 1.2.11.) , который был оснащен флеш-памятью объемом 5 Гб, а также поддерживал воспроизведение таких аудио форматов, как MP3, WAV, AAC и AIFF . По размерам он был сравним с двумя компакт-кассетами сложенными вместе. Вместе с выходом концепции нового Flash-плеера, генеральным директором компании Стивом Джобсом был разработан интригующий слоган - "1000 songs in your pocket" (в переводе с англ. - 1000 песен у вас в кармане). На тот период времени, данное устройство являлось по-настоящему революционным .
Рис. 1.2.11.
Далее, в 2003 году компания Apple, предложила собственное видение распространения легальных цифровых копий композиций посредством Интернета через собственный музыкальный интернет-магазин - iTunes Store . На тот момент, общая база композиций в этом онлайн-магазине составляла свыше 200000 треков. В настоящее время эта цифра превышает отметку в 20 млн. песен. Подписав соглашения с лидерами звукозаписывающей индустрии, такими как: Sony BMG Music Entertainment, Universal Music Group International, EMI и Warner Music Group, компания Apple открыла совершенно новую страницу в истории звукозаписи .
Таким образом, персональные компьютеры стали средством обработки и тиражирования аудиозаписей, флеш-плееры - универсальным средством прослушивания, а Интернет выступил в роли уникального в своем роде средства распространения музыки. В результате, пользователи получили полную свободу действий. Производители техники пошли навстречу потребителю, обеспечив поддержку воспроизведения сжатого аудиоформата MP3 не только во флеш-плеерах, а во всех AV-устройствах, начиная с музыкальных центров, домашних кинотеатров и заканчивая превращением дисковых CD-проигрывателей в CD/MP3 плееры. Благодаря этому, потребление музыки стало расти с невероятной скоростью, а прибыль правообладателей стала столь же неуклонно падать. Ситуацию не смогли изменить и новые более совершенные форматы дисков SACD, которые были призваны заменить компакт-диски. Большинство людей предпочли этим новшествам компрессированное аудио и другие революционные новинки, например - музыкальный плеер iPod и его многочисленные аналоги .
При помощи систем простейших генераций звуковых сигналов на персональных компьютерах в огромных количествах стала создаваться компьютерная музыка. Интернет, наряду с цифровыми технологиями, позволил продюсерам создавать и самим распространять свою музыку. Артисты использовали сеть в целях промоушн и продаж альбомов. Пользователи получили возможность в кратчайшие сроки получать запись практически любого музыкального произведения и создавать свои музыкальные коллекции, не выходя из дома. Интернет расширил рынок, увеличил разнообразие музыкального материала, и способствовал активному внедрению цифровых технологий в музыкальном бизнесе .
Эра высоких технологий оказала огромное влияние на музыкальную культуру, способствовала появлению и дальнейшему развитию музыкальной индустрии, и, как следствие - развитию музыкального бизнеса. С этого времени появились альтернативные варианты выхода артистов на музыкальный рынок без участия крупных звукозаписывающих компаний. Старые схемы распространения продукции находятся под угрозой. За последние несколько лет 95% музыки в Интернете распространяется пиратским способом . Музыка все больше не продается, а бесплатно обменивается в Интернете. Борьба с пиратством приобретает невиданный размах, поскольку звукозаписывающие компании теряют прибыль. Компьютерная индустрия приносит более весомый доход, чем музыкальная, и это позволило использовать музыку как продукцию, способствующую продажам цифровой техники. Обезличенность и однородность музыкального материала и исполнителей привело к перенасыщению рынка и преобладанию в музыке фоновых функций.
Ситуация, сложившаяся в начале XXI века, во многом напоминает ту, что происходила в музыкальной индустрии на рубеже XIX-XX вв., когда новые технологии ломали сложившиеся традиции, а пластинки и радио, активно внедрились в музыкальный бизнес. Это привело к тому, что к середине века музыкальная индустрия сформировала практически новую базисную структуру, на которую "эра высоких технологий" рубежа ХХ-ХХI вв. оказала губительное воздействие .
Таким образом, следует умозаключить, что вся история развития носителей звуковых данных базируется на наследственности достижений предшествующих этапов. За 150 лет эволюция технологий музыкальной индустрии прошла долгий путь развития и трансформации. За этот период неоднократно появлялись новые, более совершенные устройства записи и воспроизведения звука, начиная от фоноавтографа и заканчивая компакт-дисками. Первые ростки записей на оптических CD-дисках и стремительное развитие накопителей HDD конца 1980-х гг. только за одно десятилетие сломили конкуренцию множества форматов аналоговых записей. Несмотря на то, что первые музыкальные оптические диски качественно не отличались от виниловых пластинок, их компактность, универсальность и дальнейшее развитие цифрового направления ожидаемо завершили эру аналоговых форматов для массового использования. Новая эра высоких технологий существенно и стремительно изменяет мир музыкального бизнеса.
Лекция - Сергей Тынку
Удивительное дело, но очень многие люди до сих пор не знают о том, как устроен механизм музыкальной индустрии сегодня. Поэтому постараюсь объяснить все в двух словах. И, кстати, если ты не понимаешь, что такое индустрия, то за рубежом под этим понимают бизнес. То есть, речь о том, как устроен музыкальный бизнес, или музыкальная индустрия. Забей себе в голову, раз и навсегда, индустрия - это бизнес.
Как и любая другая, музыкальная индустрия выпускает и продает продукт. И этим продуктом является концерт. Раньше продуктом являлись записи, но в наше время это уже не актуально. Теперь продукт - только концерт. Почему именно концерт? Потому что музыканты зарабатывают именно на концертах и слушатели платят деньги именно за концерты.
Соответственно, основная цель индустрии состоит в том, чтобы понять спрос аудитории (на той или иной территории) на концерты того или иного формата, стиля и ценника. Самой индустрии все равно какую музыку и каких музыкантов продавать. Лишь бы продать поудачнее. Это как в баре. Адекватному хозяину бара все равно, каким пивом торговать, и он разливает то, на которое спрос больше, и на котором можно больше заработать - купить дешевле и продать дороже.
Чтобы артисту попасть в музыкальную индустрию, оставаться там и быть успешным... нужна всего одна вещь - быть востребованным. Это как с любым товаром на любом рынке. Если на ваш концерт есть спрос, то вы будете в индустрии. Если спроса нет, то значит вас там не будет. Индустрия заинтересована в артистах, которые приносят деньги, на которых прийдет народ.
Этот закон работает и для больших стадионов в Америках и для мелких кабаков в Самарской области. Музыкальная индустрия везде одинаковая.
Обратите внимание, надо не обязательно быть хорошим, а надо быть именно востребованным. А у нас часто люди думают, что если товар (музыкант) хороший, то это значит должно быть востребованным. А это разные вещи. И понятие "хороший" - очень субъективно. А вот понятие "востребованный" можно пощупать руками и измерить в количестве зрителей и денег, которые они принесут.
Индустрия состоит из трех основных участников - концертная площадка, артист, зритель. И главным является зритель. Потому что все это дело существует на деньги зрителя. Он платит за все. На его деньги живут концертные площадки и артисты. Он заказывает музыку во всех смыслах и оплачивает банкет.
Индустрии наплевать, как артист добивается популярности и востребованности (это личное дело и затраты артиста и его менеджера). Хорошая музыка, скандалы, грамотный пиар, мода и т.д. Индустрии всё равно какой товар продавать. Ёе задача - продавать востребованное. Если в твой клуб (или в бар) не приходят люди, то ты разоряешься. Поэтому у индустрии задача понять, что нужно народу, - это едва ли не самое главное в индустрии.
Просто представь на секунду, что у тебя есть свой рок-клуб. Ты потратил бабло, чтобы купить его, тратишь бабло на его поддержание, платишь персоналу и несешь кучу других расходов. И вот представь тебе надо выбрать кого-то из артистов для концерта у себя в клубе. И гонорар ему заплатить. Кого-то ты захочешь видеть у себя в клубе, если тебе надо зарабатывать, а не нести убытки?
Делать какого-либо артиста востребованным и популярным - эта задача самого артиста (и его менеджмента). Индустрии все равно кого продавать. Она просто ориентируется на текущие вкусы зрительской аудитории. Разумеется, эти вкусы как-то постоянно меняются. Поскольку вкусы аудитории неоднородны, то и индустрия работает с артистами разных жанров и стилей.
В соответствии с популярностью (востребованностью) артиста индустрия предлагает зрителю концерты на площадках большей или меньшей вместимостью, плюс устанавливает разные цены на билеты. Но индустрия всегда ориентируется на спрос. Можно сказать это бездушная машина, тупо отображающее текущее состояние рынка и спроса. Грубо говоря индустрия - это тысячи концертных площадок, чье количество, размер и формат определяется исключительно рынком, то есть спросом на тех или иных артистов и жанры на определенных территориях.
Помни, в разное время на разных территориях спрос бывает тоже на разное!
Ни артисту ни зрителю нет смысла быть недовольным индустрией. Она просто показывает состояние рынка, реагируя на него, а не формируя его. Если чего-то в индустрии нет, или представлено слабо, то это только потому что в данный момент на данной территории на этот продукт существует вот такой спрос (нулевой или малый).
Если какой-то артист не попадает в индустрию (или попадает, но не в том масштабе, какого хотелось бы), то это не вина индустрии. Она лишь реагирует на вкусы толпы. И ей плевать на конкретные имена артистов.
Вот так в двух словах все устроено.
Соответственно, понятие востребованной музыки бывает разной. Если ты делаешь музыку, ориентируясь на свой вкус, то не удивляйся, что она не нужна музыкальной индустрии. Твой вкус совем необязательно совпадает со вкусом аудитории, которая платит. А если и совпадает, то не факт, что качество твоего музыкального продукта выдерживает конкуренцию с другими артистами. Всегда помни о конкуренции. В наше время музыкантов на свете намного больше, нежели требуется аудитории. Поэтому в музыкальную индустрию попадают не все желающие.
Если в деревне спрос на музыку - это один гармонист на новогоднюю пьянку, то значит десять гармонистов не пролезут в индустрию этой деревни.
На свете существуют менеджеры музыкантов. Это посредники между артистами и зрителями, артистами и индустрией. Кто-то (как и везде) может обходится без посредников, а у кого-то не получается. Как и любые посредники менеджеры стремятся заработать. Поэтому для них важно видеть и понимать, сможет конкретный артист стать популярным или "не в коня корм". Этим видением пониманием хороший менеджер отличается от плохого. Это его заработок. Индустрии опять таки наплевать, как артист пытается стать популярным - за счет менеджеров или без. Под словом "менеджер" в этом тексте можно понимать не только одного человека, но и целую контору по продвижению.
Многие артисты возлагают громадные надежды на менеджеров, которые по их мнению решат все проблемы. Но тут не все так просто. Если менеджер хороший и понимающий рынок, то он будет работать только с артистом, обладающим, по его мнению, потенциалом. И артисту надо как-то уметь очаровать менеджера, заставить его поверить в себя. И получается, что менеджер не волшебник, продающий плохой товар, и артисту прежде всего надо выдавать товар соответствующих свойств (который можно будет продать).
Если менеджер плохой, то он запросто может взяться за артиста с непонятными перспективами. И тут может быть, что плохой менеджер ничем не поможет, а может и так, что хороший с точки зрения рыночных перспектив артист будет успешным и с плохим менеджером. Но в любом случае, если артист решает раскручивать себя при помощи менеджера, то ему надо заставить менеджера поверить в этого артиста.
И надо помнить, что менеджер - это не бесплатно. Если менеджер (контора) вкладывает в раскрутку деньги (или время/силы), то, значит, они видят потенциал в товаре (артисте) и планируют отбить затраты, и еще заработать. А если с тобой никто из толковых менеджеров не хочет иметь дел, то значит они не видят в тебе рыночного потенциала. Они, как и все, могут ошибаться - попробуй докажи это им и рынку.
Пойми, если твой потенциал очевиден, то вокруг тебя тут же образуется море людей, желающих на тебе заработать. А вот если неочевиден, то приходится влачить жалкое. Это как с бабами. Если ты супер телка, то вокруг тебя море мужиков. А если ты не очень, то и спрос на тебя на рынке мужиков намного меньше. Все очень просто в этом мире.
В музыкальной индустрии действуют те же законы, что и на обычном рынке. Представь себе магазин продуктов. Там стоит 10 пакетов молока от разных брендов. И вот ты допустим решил делать молоко. Хорошее молоко. Ты приходишь в магазин и говоришь - у меня хорошее молоко, возьмите на полку. А тебе отвечают, молоко может и хорошее, но его никто не знает и не будет покупать - спрос народа уже сложился на определенные бренды. Зачем нам закупать на полки какой-то потенциальный неликвид? Тогда ты начинаешь рекламировать свой товар - снимаешь ролики для ящика, вешаешь рекламу на билбордах по городу, раздаешь у метро бесплатные пакеты населению, нанимаешь звезду для промоушена. Все! Спрос появился - тебя взяли в магазин. Сначала в один, потом в другой, потом по всей стране! Ты в бизнесе, чувак!
- Конечно, в реальности ситуация со спросом и магазином может оказаться сложнее. Они могут сказать, что им все равно чем торговать - люди на районе купят любое молоко за эту цену и поэтому что-то менять в ассортименте они не собираются. Тогда надо будет мотивировать магазин - предлагать им закупочные цены ниже конкурентов или тупо пихать взятку. В случае с концертными площадками, которым все равно кто играет у них в условном кабаке, все решается такими же методами - снижение запросов по гонорарам артисту и опять таки старая добрая взятка. Это рынок.
Простая понятная схема. Но тут важна одна деталь. Ты должен производить молоко такого качества, которое нравится народу. И по тем ценам, по которым народ хочет его покупать. То есть пакет не должен стоить 200 баксов. И это не должно быть молоко собаки. По крайней мере в России. Тебе самому может и нравится собачье (или крысиное) молоко, но если ты выходишь на рынок, пытаешься заползти в индустрию молока, то есть в бизнес, то там надо учитывать спрос на продукты на определенной территории.
То есть, если говорить о молочной индустрии, то тут тоже самое все - товар (артист), магазин (концертная площадка), покупатель (зритель). И есть рекламные отделы и агенства (лейблы, менеджеры-посредники), которые раскручивают товары за деньги.
Конечно, множеству музыкантов по всей планете, совсем не хочется думать о рынке, товаре, покупателях и прочих неромантичных вещах. И у многих успешных артистов получилось жить в своем исключительно возвышенном мире, занимаясь исключительно творчеством (но при этом выплачивая менеджерам, которые погружены в рутину и быт).
Но если ты не достиг такого уровня просветления, то тебе надо либо заниматься рынком и своей популярностью самостоятельно, либо пытаться очаровать какого-то менеджера (контору), которые в тебя поверят. А такие менеджеры, конечно, есть. Поскольку есть успешные артисты в любой стране, и делами этих артистов кто-то занимается. А вот если в тебя не верят - то, дружок, все проблемы только в тебе. Ни в ком другом. Это сложно признать - посмотреть в зеркало и сказать себе "кажется, я не то, что нужно людям".
Ты, конечно, можешь нанять менеджера (как и любую рекламную контору) тупо за свои деньги (а не за долю с концертов)... но это похоже на платный секс. Правильным пацанам дают бесплатно. А если тебе не дают нахаляву по любви, то у тебя явно есть какие-то проблемы с востребованностью.
Очень часто невостребованные артисты обвиняют в своей невостребованности индустрию, менеджеров-посредников, зрителей. Это очень глупо. Индустрия и менеджеры реагируют на запросы зрителя, на спрос. А зрители - это свободные люди, которые сами решают куда им тратить свои деньги. Если они не хотят тебя - это их право. Они тебе ничем не обязаны. Они не заставляли тебя заниматься музыкой.
А самый надежный способ влиться в индустрию, и это знают все профессиональные музыканты и менеджеры всех времен и народов... очень прост. Надо тупо сочинять хиты. И всё! Песни, которые нравятся народу. Пиши хиты, чувак, и у тебя точно будет всё! Обрати внимание - все исполнители, у которых не получилось вписаться в индустрию, - у них нет ни одного хита.
Но допустим, ты не можешь или не хочешь писать хиты? Но ведь можно играть чужие - это тоже востребовано (в кабаках и на корпоративах), и с этим тоже попадают в индустрию - просто возможно не на тот уровень, куда кому-то хотелось бы. А если совсем не играть хиты, то никаких гарантий нет попадания в индустрию нет. Может и получится устроиться в индустрию, а может и нет.
Ну вот и всё. Надеюсь, теперь тебе понятно, почему у одних артистов много концертов и денег, а у других кот наплакал.
Современная музыкальная индустрия представляет собой довольно странный феномен, который не стоит на месте и постоянно развивается. Те, кто проработал в музыкальной «кухне» не один год, знают, что порой бывает очень сложно предсказать, что же ждет нас в будущем в музыкальном плане. Тем не менее, система получения прибыли всегда одна, и всем тем, кто всерьез намерен превратить свою музыку в звонкую монету было бы неплохо иметь, по крайней мере, общее представление о том, как работает музыкальный бизнес.
Поэтому мы решили написать небольшое руководство для смельчаков, которые хотят и намерены продвигать свою музыку и зарабатывать на этом хорошие деньги. Это та самая информация, которой достаточно для того, чтобы дать вам базовое понимание того, чем живет и дышит музыкальный бизнес, и чтобы заставить вас задуматься над тем, как вы могли бы стать его частью.
Звукозаписывающие компании
«Традиционный» путь к успеху в музыкальной индустрии – это, когда твою запись услышал известный лейбл, который в дальнейшем подпишет с тобой контракт, чтобы продвигать твое творчество. А еще лучше, если ты уже записал несколько композиций, которые могут войти в твой мини-альбом, или же в полноценный альбома, или несколько альбомов в сети.
По сути, лейбл выступает в качестве инвестора, который вкладывает свои деньги в тебя и твой проект. Эти деньги идут на оплату студийной аренды, сведение и мастеринг, а таже на оплату твоего аванса, который платится наперед, чтобы ты смог дожить до того момента, когда начнешь получать свою долю от продаж, именуемую в в индустрии как роялти.
Лейбл также занимается всей документацией, необходимой для выпуска трека/альбома, которая включает схему того, как делится роялти: какой процент каждой заработанной монеты идет лично вам, соавторам, а какой процент — лейблу, чтобы покрыть свои первоначальные инвестиции и получать дальнейшую прибыль, которую лейбл смог бы снова вложить на твою раскрутку.
Музыкальные откаты
Общество Защиты Авторских Прав (MCPS) выплачивает роялти за каждую копию твоего трека. Это означает, что чем больше записей ты продаешь, тем больше ты получаешь. Кроме того, если твоя песня попадает на компакт-диски, или на DVD, либо же используется каким-либо иным образом, то ты также получаешь за это определенную сумму.
Для примера: в сборнике 20 композиций, и одна из них твоя. Это означает, что Общество Защиты Авторских Прав заплатит тебе 5% от суммы всех продаж.
Долгожданный релиз твоей музыки
Релиз твоей музыки означает использование твоего трека в любой форме, и все доходы, полученные после выхода твоей музыки, могут поступать из многочисленных и разнообразных источников. В реальности деньги поступают от каждого проигрывания песни на ТВ, радио или использования ее в качестве саундтрека к фильму, деньги поступают даже, когда трек проигрывается в примерочных Topshop’а. Список можно продолжать бесконечно.
Теоретически получается, что ты получаешь деньги за любое использование твоего трека. Эта система работает благодаря коллекторским агентствам, таким как PRS в Великобритании или же ASCAP (Американское сообщество композиторов, писателей и издателей) в США. Эти организации отслеживают все пути использования твоей музыки, затем собирают и распределяют деньги соответствующим образом.
Телевидение, фильмы и многое другое
Главными каналами распространения и источниками прибыли в музыкальной индустрии являются ТВ, кино и видеоигры, а именно, распространение фонограммы твоей музыки по этим каналам. Преимущества фонограммы очевидны: тебе заплатят, лишь бы использовать твою композицию; в результате, ты получаешь новый доход от того, что твоя песня используется в кинопроектах или ТВ-шоу, например, в качестве саундтрека. Подобное использование твоей музыки позволяет повысить узнаваемость тебя и твоего творчества, поскольку его услышит потенциально огромная аудитория, которая ранее не была знакома с твоей музыкой.
Не так просто сделать так, чтобы треки попали на ТВ и кинопроекты, но существуют специализированные производственные компании, которые будут действовать от твоего имени, чтобы протолкнуть твою музыку в том или ином направлении. Так что, ты сможешь продолжать заниматься своими делами, в то время как подобные агентсва продвигают твои треки лицам, задействованным в кино и на телевидении.
Необходимость составления каталога музыки, которая будет находиться в фонотеке музыкальных компаний (в последнее время именуемых как Производственные музыкальные компании) вполне понятна. Ведь именно подобный каталог является потенциально наиболее прибыльным из всего того, что ты будешь делать. Как правило, такая компания возьмет свой процент за продвижение твоей музыки. Но тебе не придется платить им авансом за представление твоих интересов. Оплата производится по факту. А что еще лучше, они не получают деньги, пока твоя музыка не пойдет в оборот, что означает, что они будут работать настолько усердно, насколько они смогут, чтобы о тебе все узнали.
Подумай о композиции Рембрандта «I’ll Be There For You» – саундтрек к сериалу «Друзья» — и о том, сколько людей его знает во всем мире…
Другие источники прибыли
А что, если ты не написал и не спродюсировал абсолютно ничего? Не волнуйся, ты все еще можешь заработать на музыке. PPL стрим – это не какой-то там типичный канал реализации, причитающийся авторам песен. Это дополнительный источник для получения роялти, уплачиваемых вещательными организациями исполнителям за использование их музыки. Все те, кто участвуют в создании песни (басисты, бэк-вокалисты, и т. д.) также получают небольшую сумму за свою работу.
Дистрибуция
Дистрибьютор несет ответственность за доставку твоей музыки со склада в магазин. Для этого, если ты создаешь физический контент, тебе необходимо заключить соглашение о дистрибьюции.
Как мы знаем, ‘физическая’ музыка отстает в популярности перед цифровой музыкой, что является хорошей новостью, если ты начинаешь свой собственный лейбл, так как дистрибьюция не должна требовать больших усилий и затрат. Цифровая дистрибьюция означает, что твои записи будут доступны для продажи в цифровом виде во всех местах, где того ждут твои фанаты. Например, Amazon, Beatport, iTunes. Иными словами, цифровая дистрибьюция избавляет тебя от лишней суеты во всех смыслах.
И, наконец
Все вышеизложенное довольно трудно принять, но, если ты хочешь связать свою жизнь с музыкой, то ты должен понимать основные механизмы столь огромной музыкальной машины, и ты должен быть готов, если ты действительно хочешь заявить о себе и оставить след на музыкальном поприще, взяться за это дело и идти до конца, не смотря ни на что.
А мы пожелаем тебе удачи!
Как часто до нас отовсюду доносится музыка. Музыка становится звуковым фоном нашей жизни. А знакомы ли вам ощущения, когда вот просто забыл взять с собой наушники? Тишина, нет – даже пустота. Непривычно, и руки стремятся что-то включить. Перестает играть музыка – включается внутренний голос, а его слушать как-то совсем не хочется. Напоминает нам о незаконченных делах, укоряет в чем-то, серьезные мысли приносит. Нет, поскорее бы уже начался новый трек. Мы просто привыкли к музыке, привыкли, что всё время не одни, а с этими весёлыми (или не очень) музыкальными ритмами.
Наверное, у каждого есть любимые мелодии, при звуке которых где-то глубоко внутри всплывают строки знакомых песен. При этом часто так бывает, что текст песни человек знает наизусть, а о смысле запечатлённых в памяти и даже часто произносимых слов он никогда и не задумывался. Так происходит потому, что музыку большинство людей привыкли слушать в формате фона или отдыха, то есть, расслабившись и ни о чём не думая, наслаждаясь эмоциями или просто погрузившись в сторонние мысли.
В результате такого прослушивания мировоззрение человека наполняется текстами и смыслами, не прошедшими фильтрацию на уровне сознания. А так как информация подаётся в сопровождении различных ритмов и мелодий, то усваивается она очень хорошо, и в дальнейшем с уровня подсознания начинает влиять на поведение человека. Какие же программы поведения транслирует массовой аудитории современная популярная музыка – та, которую крутят по телевизору и на радио, и можно ли к ней относиться неосознанно, то есть не задумываясь о её влиянии? Давайте посмотрим несколько видеообзоров:
После просмотра этих видеороликов уместно вспомнить цитату древнекитайского философа Конфуция: «Разрушение любого государства начинается именно с разрушения его музыки. Не имеющий чистой и светлой музыки народ обречён на вырождение».
Обратите внимание, в последнем обзоре речь шла не только о содержании конкретных песен, но и об общей направленности тематики популярной музыки. Это важный нюанс, который надо учитывать. Ведь музыка должна отражать разные аспекты нашей жизни, а не возвышать какой-то один до несоответствующего ему размера и важности.
Творчество человека, когда оно идёт от души, всегда отражает его внутренний мир, затрагивает вопросы личного развития, поиска ответов на волнующие вопросы. Если же творчество подменяется бизнесом, и на первое место выходит зарабатывание денег, то его содержание автоматически наполняется соответствующими смыслами и формами: примитивными, шаблонными, пресными, глупыми.
Прослушивание того контента, который сегодня крутят на и в эфире большинства радиостанций, представляет собой реальный процесс программирования людей на бессознательную реализацию в своей жизни всех перечисленных в роликах моделей поведения.
При этом в представленных видеообзорах проводился анализ только содержания текстов и видеоряда клипов, но огромное влияние на человека оказывает и ритм, и тональность, и мелодичность, и громкость музыки. Ведь любая музыка – это, в конце концов, вибрации, которые могут либо гармонировать с внутренним состоянием человека, либо в прямом смысле действовать разрушительно.
Влияние музыки на общество
Диссонанс в музыке, резкие перепады ритма, громкое звучание – всё это организм воспринимает как стресс, как загрязняющий фактор, который воздействует не только на нервную, но также и на сердечно-сосудистую и эндокринную системы. В интернете вы можете найти результаты множества экспериментов, которые показывают, что если классическая или народная музыка улучшают психические способности, то современная попсовая музыка, построенная на одних и тех же ритмах, или тяжёлая рваная музыка наоборот угнетают психику человека, ухудшая память, абстрактное мышление, внимательность.
Наглядно увидеть влияние музыки можно вот на этих картинках:
Эти фотографии сделаны японским исследователем Масару Эмото. Он подвергал воду воздействию разных мелодий и речи человека, после чего замораживал её и фотографировал с большим увеличением полученные замороженные кристаллы воды. Как видно на слайде, под воздействием звуков классической музыки кристаллы дистиллированной воды приобретают изящные симметричные формы, под воздействием тяжёлой музыки или негативных слов, эмоций замороженная вода образует хаотические, фрагментированные структуры.
Учитывая, что мы все по большей части состоим из воды, можете себе представить, какое значительное влияние на нас оказывает музыка. По этой причине к выбору тех композиций, которые вы часто слушаете сами или включаете детям, следует относиться осознанно, оценивая воздействие музыки и эффект, который вы хотели бы получить.
Музыка влияет на человека в 3-х аспектах:
- Содержательный посыл текстов песен и видеоряда клипов
- Вибрации музыки (ритм, тональность, мелодичность, тембр голоса и т.д.)
- Личные качества популярных исполнителей, чья жизнь выставлена напоказ
Третьим пунктом на этом слайде мы выделили личный аспект, связанный с нравственностью тех исполнителей, которые получают известность и славу. Так как современный шоу-бизнес построен на том, что выносит на публичное обсуждение всю личную жизнь так называемых звёзд, навязывая подрастающим поколениям их в качестве кумиров, олицетворяющих «успех», то при оценке современных песен надо учитывать и образ жизни, который своим примером транслируют их исполнители.
Все, наверное, слышали про такую популярную западную певицу, как . Давайте посмотрим, какую идеологию она продвигает своим творчеством, да и личным примером.
В рамках проекта Научи хорошему были сделаны аналогичные обзоры на других самых популярных западных исполнителей: , – и везде одно и то же. Их карьера развивается как по шаблону: из относительно простых и скромных девушек они, войдя в индустрию шоу-бизнеса, постепенно превращаются в тех, чьи фотографии и плоды творчества даже неловко демонстрировать в ходе лекции из-за навязчивой вульгарности и пошлости.
При этом именно этих звёзд постоянно награждают главными музыкальными премиями, их клипы крутят на телеканалах и радиостанциях, даже у нас в России регулярно звучат их песни. То есть , в музыкальной индустрии выстроена та же самая система, опирающаяся на 3 главных инструмента: институты премий, финансовые потоки и контроль над центральными СМИ.
Где искать хорошие песни?
Через этот заслон хорошим исполнителям – тем, которые поют действительно осмысленные песни и стараются направлять своё творчество на благо людей, пробиться практически невозможно. Ситуация начинает меняться только сегодня, когда с появлением Интернета каждый человек получил возможность через свои аккаунты в соцсетях, через ведение блогов и создание сайтов выступать в роли самостоятельного средства массовой информации.
Появление проекта Научи хорошему и многих других объединений неравнодушных людей – это закономерный процесс разрушения старой системы, построенной на жёстком контроле лиц, допущенных к СМИ. И именно в Интернете можно найти песни тех исполнителей, которых вы не услышите по телевизору, но чью музыку действительно приятно и полезно слушать.
Они также ездят с гастролями по городам, выступают на сценах, собирают полные залы, но их фотографии не печатают в глянцевых журналах, а и их песни не транслируют на популярных радиостанциях или музыкальных телеканалах. Потому что для современной музыкальной индустрии, их творчество не подходит по «формату», определяемому и навязываемому широкой аудитории через всё те же средства массовой информации, а точнее – средства формирования и управления общественным сознанием.
В качестве примера осмысленного творчества предлагаем вашему вниманию одну из песен, которую придумали и записали читатели проекта Научи хорошему.
