≡× МЕНЮ

• Публикации
• Вторые блюда
• Отзывы Покупателей
• Финансы и бизнес
• Мода и стиль

Балетные труппы мировых театров. Самые известные театры в мире. Дворец каталонской музыки

Самые лучшие и большие оперные театры мира потрясают своим великолепием и красотой. Известный американский фотограф и путешественник Дэвид Левенти на протяжении пяти лет фотографировал эти архитектурные шедевры. Свой проект он назвал «Портреты театров».

Давайте же и мы насладимся его удивительными фотографиями, которые передают все величие и красоту внутреннего роскошного убранства театральных залов.

В интерьерах театров преобладают лепнина, позолота, бархатные сиденья, изысканные ложи и огромные люстры-канделябры.

Большой театр, Москва, Россия

Большой театр — один из крупнейших российских и мировых театров оперы и балета. Комплекс зданий располагается в центре Москвы на Театральной площади.

Вначале это был казенный театр, который составлял совместно с Малым единую московскую труппу императорских театров. Периодически статус его менялся: он подчинялся московскому генерал-губернатору, затем - петербургской дирекции. Это продолжалось вплоть до революции 1917 года — после национализации произошло полное разделение Малого и Большого театров.

Мариинский театр, Санкт-Петербург, Россия

Знаменитый российский театр оперы и балета Санкт-Петербурга, его филиал есть и во Владивостоке. Был основан в 1783 году императрицей Екатериной Великой. Входил в состав Императорских театров России.

Соответствующий Указ гласил, что театр служит «для управления зрелищами и музыкой».

Опера Гарнье, Париж, Франция

Парижская опера Гарнье — один из самых известных театров оперы и балета мира.

Расположен он во дворце Гарнье в одном из округов города, около одноименной станции метро. Сооружение является образцом эклектической архитектуры в стиле боз-ар.

Одно время театр называли просто Парижской оперой.

Опера «Монте-Карло», Монте-Карло, Монако

Опера в Монако возведена по проекту архитектора Шарля Гарнье в 1870-х годах по заказу князя Карла III. Выгодное географическое расположение (берег Средиземного моря), а также проведение железной дороги стало приоритетными факторами, которые повлияли на принятие решения о строительстве театра.

Зал театра рассчитан на 524 места. В нем можно насладиться инструментальной музыкой, оперой, балетом, а ранее и художественным чтением в исполнении актрисы Сары Бернар.

Театр Ла Фениче, Венеция, Италия

Этот венецианский оперный театр открылся в мае 1792 года премьерой оперы Паизиелло «Агригентские игры».

Название оперы произошло от следующего обстоятельства — театр два раза возрождался как феникс из пепла. Первый раз после пожара 1774 года и второй — после судов. Театр горел еще в 1837 и 1996 годах, но его каждый раз восстанавливали, последняя реставрация длилась 8 лет.

В период Первой мировой войны опера была закрыта.

Ла Скала, Милан, Италия

Знаменитый миланский оперный театр Ла Скала был основан в 1778 году. Проектировал здание архитектор Джузеппе Пьермарини в 1776-1778 гг. на месте церкви Санта-Мария делла Скала — отсюда и название.

Оперный театр Сан-Карло, Неаполь, Италия

Оперный театр Сан-Карло — один из старейший европейских оперных театров. Его построили по приказу Карла III на месте старого здания оперы Сан-Бартоломео. Открытие состоялось в ноябре 1737 года постановкой оперы неаполитанского композитора Доменико Сарро «Ахилл на Скиросе».

В 1816 году в театре произошел пожар. Восстановлением сооружения занимался архитектор Антонио Никколини.

Здание реставрировалось в 1845 и 1854 годах, а также после бомбежек 1943 года. В театре 1386 зрительных мест.

Муниципальный театр, Пьяченца, Италия

Один из местных шедевров Италии – здание Муниципального театра в Пьяченца. С момента своего открытия опера представила на суд зрителей практически все классические основные произведения мирового оперного репертуара.

Румынский Атенеум, Бухарест, Румыния

Здание румынской оперы построили в центре Бухареста по проекту известного архитектора из Франции — Альберта Галлерона. Основные строительные работы закончили в 1888 году.
На первом этаже здания располагается красивый конференц-зал с прекрасными декорациями. Над ним — аудитория на 650 мест. Зал украшен фреской высотой 75 м с историческими сюжетами. Румынский Атенеум — главный концертный зал Бухареста.

Оперный театр Дроттнингхольм, Стокгольм, Швеция

Театр был построен в 1766 году по проекту Карла Аделькранца. Основные тона здания — светло-желтые, колонн или балконов здесь нет. Оперный театр напоминает административное здание. Такая внешняя простота с лихвой компенсируется внутренним содержанием театра.

Оперный театр «Колон», Буэнос-Айрес, Аргентина

Знаменитый аргентинский оперный театр. В середине 1850-х годов в этой стране опера была на пике своей популярности и расцвета. В апреле 1857 года состоялось торжественное открытие театра постановкой оперы Джузеппе Верди «Травиата». Здание вмещает около 2 500 зрителей.

Метрополитен Опера, Нью-Йорк, США

Эта американская оперная труппа была основана в 1880 году в качестве альтернативы Музыкальной академии. Метрополитен Опера — один из самых известных и престижных оперных театров мира.

Оперный театр Осло, Осло, Норвегия

Норвежский национальный оперный театр расположен на берегу Осло-фьорда (полуостров Бьорвик). Он является государственным учреждением, которым управляет правительство Норвегии. Оперный театр Осло — одно из больших общественных зданий в стране.

Оперный театр Four Seasons Centre, Торонто, Канада

Оперный театр в Торонто является главной сценической площадкой Канадской оперы и Национального балета Канады. Открытие оперы состоялось в 2006 году.

Королевский оперный театр Ковент-Гарден, Лондон, Великобритания

В Королевском оперном театре Ковент-Гарден можно насладиться оперными и балетными спектаклями.

Это здание театра - третье по счету, которое было построено на этом месте. Театр был возведен в 1858 году и реконструирован в 1990-е годы. Зал рассчитан на 2268 зрителей.

Королевский оперный театр, Стокгольм, Швеция

Этот шведский оперный театр был построен в 1782 году. Сегодня репертуар театра состоит из оперных спектаклей и балетов.

Также в театре есть свой симфонический оркестр.

Баварская государственная опера, Мюнхен, Германия

Немецкий оперный театр построен в 1653 году. Вместе с Баварским государственным балетом Баварская опера дает 350 оперных и балетных представлений в год.

Венгерский государственный оперный театр, Будапешт, Венгрия

Крупнейший театр Венгрии был основан в 1884 году, в то время оперная труппа отделилась от Национального театра. Первым директором театра стал был композитор и дирижер Ференц Эркель — автор венгерского гимна.

Коммунальный оперный театр, Болонья, Италия

Коммунальный оперный театр Болоньи был построен на месте Дворца Бентивольо — последнего синьора Болоньи.

Дворец каталонской музыки, Барселона, Испания

Дворец каталонской музыки был построен архитектором Луисом Доменек-и-Монтанер в стиле каталонского модерна. Открытие театра состоялось в 1908 году. В 1997 году Дворец каталонской музыки включили в список всемирного наследия ЮНЕСКО.

Зрители могут посмотреть здесь музыкальные спектакли, послушать концерты симфонической и камерной музыки, джаза и каталонской песни.

в XVI веке, прошло немалый путь и к нашему времени стало популярным во всем мире. Многочисленные балетные школы и театральные труппы, чье количество увеличивается с каждым годом, бывают как классическими, так и современными.

Но если известных шоу-балетов десятки, и, по сути, они отличаются от других танцевальных ансамблей лишь уровнем мастерства, то национальные театры балета с многовековой историей можно пересчитать по пальцам.

Русский балет: Большой и Мариинский Театры

Нам с вами есть чем гордиться, ведь одним из лучших в мире является именно русский балет. «Лебединое озеро», «Щелкунчик», знаменитые пластические балеты, появившиеся в нашей стране в начале XX века, сделали Россию второй родиной этого искусства и обеспечили нашим театрам нескончаемый поток благодарных зрителей со всего света.

В наши дни за звание лучшей соревнуются труппы Большого и Мариинского театров, чье мастерство совершенствуется день ото дня. Танцоров обе труппы отбирают среди воспитанников петербургской Академии имени А. Я. Вагановой, и с первых дней обучения все ее ученики мечтают однажды исполнить сольную партию на главной сцене страны.

Французский балет: Гранд-опера

Колыбель мирового балета, чье отношение к постановкам неизменно уже три века, и где существует лишь классический академический танец, а все остальное расценивается как преступление против искусства, является пределом мечтаний для всех танцоров мира.

Каждый год ее состав пополняется лишь тремя танцорами, которые прошли столько отборов, конкурсов и испытаний, сколько не снилось даже астронавтам. Билеты в Парижскую оперу недешевы, и позволить их себе могут лишь самые обеспеченные ценители искусства, однако зал полон во время каждого выступления, поскольку помимо самих французов сюда приезжают все европейцы, мечтающие полюбоваться классическим балетом.

Соединенные Штаты: Американский Театр Балета

Приобретший широкую известность после выхода «Черного лебедя», American Ballet Theatre был основан солистом русского Большого театра.

Имеющий собственную школу, балет не нанимает танцоров со стороны и обладает своеобразным русско-американским стилем. В постановках уживаются классические сюжеты, например знаменитый «Щелкунчик», и новые танцевальные направления. Многие ценители балета утверждают, что в ABT забыли о канонах, однако популярность этого театра растет год от года.

Великобритания: Бирмингемский королевский балет

Курируемый самой королевой, балет Лондона невелик по числу танцоров, однако отличается строгостью отбора участников и репертуара. Здесь не встретить современных веяний и жанровых отклонений. Быть может, именно поэтому, не выдержав суровых традиций, многие юные звезды этого балета покидают его и начинают создавать собственные труппы.

Попасть на представление королевского балета непросто, этого удостаиваются лишь самые знатные и богатые люди мира, однако раз в три месяца здесь организуются благотворительные вечера с открытым входом.

Австрийский балет: Венская опера

История Венской оперы насчитывает полтора века, и все это время первыми солистами труппы остаются русские танцоры. Известная своими ежегодными балами, которые не проходили лишь во время Второй мировой войны, Венская опера является самой посещаемой достопримечательностью Австрии . Сюда приходят и для того, чтобы полюбоваться талантливыми танцорами, и чтобы, глядя на соотечественников на сцене, с гордостью говорить на родном языке.

Достать сюда билеты очень просто: благодаря огромному залу и отсутствию перекупщиков можно делать это в день балета, исключением станут только дни премьер и открытия сезона.

Итак, если вы хотите увидеть классический балет, в исполнении самых талантливых танцоров, отправляйтесь в один из этих театров и наслаждайтесь старинным искусством.

Любители искусства и балета нередко задаются вопросом о том, какие оперные театры мира известны? Чем они отличаются друг от друга и какова история их постройки? В каждой стране есть театр, но не каждый признан лучшим среди других.

Список оперных театров мира

Искусство ценится людьми с древних времен. Опера и балет - это что-то невероятно красивое, несущее в себе изящество и шик. Среди самых популярных мира ценители искусства выделяют такие как:

• Сословный театр в Праге;
• «Ла Скала» в Милане;
• «Сан-Карло» в Неаполе;
• Одесский театр на Украине;
• «Гранд Опера» в Париже;
• в Вене;
• «Ковент-Гарден» в Лондоне;
• «Гран Театр Лисео» в Барселоне;
• Метрополитен Опера в Нью-Йорке;
• Сиднейский оперный театр;
• Новосибирский в России.

В каждой стране есть место, в котором можно окунуться в мир искусства. или оперетты - это особенное помещение, которое пропитано духом талантливых людей.

«Ла Скала» в Милане

Тетра был открыт в 1778 году. Любители искусства считают его самым красивым и изящным. Такое необычное название он получил потому, что был построен на месте старой церкви.

Во время Второй мировой войны конструкция была полностью разрушена, но позднее отреставрирована.

Театр примечателен тем, что вмещает более двух тысяч зрителей, а глубина сцены составляет 30 метров. Что интересно, декорации меняются с помощью сложной системы с ручными механизмами.

Стоимость билетов в «Ла-Скала» может достигать 2000 долларов. При входе действует дресс-код, который включает в себя вечерние наряды черного цвета.

«Сан-Карло» в Неаполе

Этот театр является самым крупным в Европе. Его открытие прошло в 1737 году. Зал рассчитан более чем на 3 тысячи зрителей.

Его история запомнилась тем, что его перестраивали после пожара в 1817 году, после чего он стал еще роскошнее. Шикарное убранство и интерьер делают его одним из лучших оперных театров мира.

Посетители «Сан-Карло» в Неаполе говорят о том, что внутреннее оформление оставляет неизгладимое впечатление. В театре проходят самые известные постановки.

«Ковент-Гарден» в Лондоне

Являясь одним из лучших оперных театров мира, он, по мнению посетителей, является одним из самых ярких и необычных. "Ковент-Гарден" был основан в 1946 году. Он является королевским театром, поэтому в нем играют только самые лучшие актеры.

В Лондон приезжают ценители искусства, чтобы увидеть на красивой сцене оперу или балет. Стоимость билетов в театре не превышает 200 фунтов, а большинство постановок проходит на английском языке.

«Гранд Опера» в Париже

Знаменитые оперные театры мира отличаются от остальных своим изяществом, убранством и невероятной красотой. Именно таким является «Гранд Опера» в Париже.

Его открытие прошло в 1669 году. Зал вмещает 1900 зрителей. Театр считается наиболее красивым. Его отличают необычные фасады, дополненный арками, скульптурами и фресками.

В истории театра были постановки По статистике, это самая посещаемая сцена во всем мире. Театр является центром культурной жизни Франции.

Одесский театр на Украине

В первый раз он был построен в 1810 году, а после полностью сгорел. Реставрация прошла только через 11 лет после пожара, когда архитекторы задумали создать необычное здание с куполообразной крышей. История оперных театров мира разнообразна и удивительна. Одесский театр - не исключение.

Внешний вид и убранство дает ему право называться одним из самых красивых и известных оперных театров мира. Главным украшением считаются расписные потолки и большая хрустальная люстра.

Атмосфера помещения позволяет каждому гостю почувствовать себя аристократом и окунуться волшебный мир. Посетив это место, хочется вернуться еще раз, чтобы полностью погрузиться в мир искусства.

Венский государственный оперный театр

Королевский стиль, богатство интерьера и особенный шарм отличает оперу в городе Вена. Театр пропитан жизнью и музыкой Моцарта. Необычайно красивый фасад, выполненный в стиле неоренессанса, не оставит равнодушным ни одного посетителя.

Несмотря на то, что его вместительность всего 1313 зрителей, он остается одним из самых известных театров оперы и балета в мире.

Интересно то, что каждой весной в нем проводится венский бал. Это красивое и пышное мероприятие, на котором дамы и кавалеры будто бы переносятся в старые времена.

«Гран Театр Лисео» в Барселоне

Здание было построено в 1847 году и вмещает более 2 тысяч посетителей. Несмотря на то, что в 1994 году пожар испортил большую часть тетра, его восстановили благодаря оригинальным чертежам.

Постановки в нем проходят как по классическим произведениям, так и по более современным. Что интересно, любители оперы съезжаются со всего мира, чтобы посетить этот красивый театр.

Главной отличительной особенностью зала являются кресла для зрителей, которые выполнены из чугуна и обиты ярким красным бархатом. Стены украшены лампами в форме дракона.

Сословный театр в Праге

Был открыт в 1783 году и вмещает в себя 1200 посетителей. Является единственным зданием театра в Европе, которое сохранилось с момента постройки.

У входа стоит примечательная скульптура «Командор», созданная по одноименной опере Моцарта. Она похожа на черный плащ и олицетворяет творчество.

Постановки в театре проводятся на нескольких языках: чешском, немецком, итальянском. Репертуар достаточно разнообразный и сможет угодить каждому зрителю.

Сиднейский оперный театр

Его здание считается одним из самых красивых в мире. Построенное в стиле экспрессионизма, оно отличается от остальных тем, что крыша выполнена в форме паруса.

Открытие театра проводила Елизавета II. Здание строилось более 14 лет, и на это было потрачено более 7 миллионов долларов.

Постановки в театре считаются шедеврами. Он разделен на два зала, каждый из которых выполнен с особым шиком и изяществом. Потолки каждого улучшены, чтобы отражать звук и делать его более приятным для слушателя.

Метрополитен Опера в Нью-Йорке

Этот театр в США является самым знаменитым и посещаемым. В нем нет роскошного убранства и дорогого оформления, однако он оснащен современными технологиями, чтобы сделать показ еще более увлекательным.

Считается, что петь в этом театре очень престижно, несмотря на скромные гонорары.

Помещение зала вмещает более 3.5 тысяч человек. Что примечательно, театр не является государственным зданием и содержится за счет пожертвований и частных лиц. Это делает его еще более ценным для зрителей.

и балета

Здание является самым большим в России. Его площадь составляет более 40 тысяч квадратных метров. Театр оборудован современными технологиями и выполнен с особым шармом. За размеры ему было дано второе имя - «Сибирский Колизей».

В России это одно из самых масштабных зданий театра и искусства. Его крыша оформлена как большой купол, что также делает его уникальным и интересным.

С точки зрения инженерии, здание является сложным сооружением. Зрители же считают его уникальным и неповторимым.

Самые известные оперные театры в мире отличаются от остальных тем, что они несут в себе особый шарм. В каждой стране есть место, где проходят постановки и спектакли. Опера и балет - одни из важнейших постановок, которые доносят до зрителя произведения известных писателей и композиторов. То, с каким размахом происходит действие на сцене, дает возможность зрителю прочувствовать эмоции актеров и певцов.

Билеты на представления театров с мировым именем надо бронировать задолго вперед. Попробуем узнать, чем эти достопримечательности привлекают театралов со всей планеты и сколько стоит билет в лучший театр мира.

Конечно, в этом списке явно не хватает Большого или Мариинского театров, но мы решили посвятить самым известным театрам России отдельную статью.

Самые известные театры мира

В столицах Европы кипит жизнь. Париж, Лондон, Милан – сюда стекаются не только модники и туристы с фотокамерами. В восторге будут и интеллектуалы – ценители архитектуры, театра, оперы, балета и музыки.

Театр Ковент-Гарден

Лондон

Столица Великобритании богата на театры с историей. Именно на сцене лондонского «Глобуса» впервые были поставлены пьесы Шекспира. Но хотя «Глобус», переживший две реконструкции, работает и сегодня, статусом самого известного театра Лондона обладает Королевский оперный театр на Ковент-Гарден, домашняя сцена Королевского балета и Королевской оперы.

Современное здание – уже третье. В 1732 году театр впервые открыл двери для зрителей, пришедших посмотреть на постановку «Светские обычаи» по пьесе Уильяма Конгрива. Спустя 76 лет здание Ковент-Гардена уничтожил пожар. На восстановление ушло 9 месяцев. Вновь заработавший театр порадовал публику «Макбетом». В 1856 году театр снова сгорел, но через два года возродился из пепла таким, каким мы можем увидеть его сейчас.

Масштабная реконструкция театра прошла в 1990 году. Теперь его 4-ярусный зал вмещает 2268 посетителей. Стоимость билетов в театр Ковент-Гарден варьируется от 15 до 135 фунтов.

Гранд-опера

Париж

Известнейший театр Парижа – Гранд-опера. В 1669 году Людовик XIV «дал добро» на основание оперного театра поэту Пьеру Перрену и композитору Роберту Камберу. На протяжении веков театр несколько раз поменял название и местоположение, пока в 1862 году не оказался в IX округе Парижа, в здании работы Шарля Гарнье, построенном в 1875 году архитектором Шарлем Гарнье.

Фасад театра роскошен – его украшают четыре скульптуры (олицетворения Драмы, Музыки, Поэзии и Танца), а так же семь арок. Венчает здание величественный сияющий купол.

Сцена Гранд Оперы повидала за годы существования оперы немецких, итальянских и французских композиторов. Именно здесь состоялась премьера оперы Стравинского «Мавра». Сегодняшнее его название – Дворец Гарнье, и он является едва ли не самым посещаемым театром мира.

Вена

Австрия – родина многих классиков: Гайдна, Моцарта, Бетховена, чья музыка легла в основу Венской классической музыкальной школы. Возможно, именно поэтому известнейшим оперным театром мира уверенно можно назвать Венскую оперу.

Здание оперы было построено в 1869 году. Открытие ознаменовалось оперой Моцарта «Дон Жуан».

Так как здание театра построили в стиле чрезвычайно распространенного неоренессанса, оно неоднократно было подвергнуто беспощадной критике – фасад здания казался жителям Вены скучным, непримечательным.

Во Вторую мировую войну театр был частично разрушен, однако в 1955 году произошло его торжественное ре-открытие с оперой «Фиделио» Бетховена. По количеству представлений с Венской оперой не в состоянии сравниться ни один из других оперных театров. На протяжении 285 дней в году в этом здании на Рингштрассе ставится порядка 60 опер. Каждый год за неделю до первого дня Великого католического поста в здесь проходит Венский бал – мероприятие, занесенное в список нематериального культурного богатства, охраняемого ЮНЕСКО.

Ла Скала

Милан>

Именно в Италии эпохи Возрождения зародилось современное оперное искусство. В 1776 году миланскому архитектору Джузеппе Пьермарини приглянулся кусочек земли на месте разрушенной церкви Санта-Лючия делла Скала. Решено было построить на нем оперный театр, в итоге получивший название от своего «предка».

При строительстве фундамента под землей нашли мраморную плиту с изображением древнеримского лицедея Пилада, что строители восприняли как знак свыше.

Первой оперой театра Ла Скала стала «Признанная Европа» композитора Антонио Сальери. Именно в этих стенах впервые прозвучали оркестры Гаваццени Джанандреа, Артуро Тосканини и Рикардо Мути.

Сегодня Ла Скала по праву читается одним из самых известных театров мира. Это первое после Миланского собора, что осматривают прибывшие в Милан туристам.

Последний раз реконструкция театра проводилась в начале 2000 годов. Открытие состоялось в 2004 году, и уже на обновленной сцене вновь была показана опера Сальери «Обновленная Европа».

Дворец каталонской музыки

Барселона

Довольно юный (по сравнению с предыдущими) театр, Дворец каталонской музыки в Барселоне открыл двери для музыкальных эстетов в 1908 году. В Барселоне любят испанский модерн Гауди, а потому было решено строить главный концертный зал страны в том же стиле – волны и спирали здесь преобладают над прямыми линиями.

Фасад Дворца напоминает о том, что в Испании как нигде тесно переплелись европейская и арабская культуры.

Но главная особенность концертного зала – его освещение. Свет полностью естественный. Купол Дворца Каталонской музыки сделан из цветной стеклянной мозаики. Лучи солнца, преломляясь, создают неописуемый эффект!

Сиднейский оперный театр

Сидней

Сиднейскую оперу нельзя назвать самой посещаемой в мире, но она определенно является самым узнаваемым и необычным театром . Ее белые парусообразные стены стали одним из современных чудес света.

Торжественная церемония открытия прошла в октябре 1973 года при участии королевы Елизаветы II .

Все знают, как выглядит Сиднейский театр снаружи, а теперь посмотрите, как он выглядит внутри – какое восхитительное сочетание футуризма и готики!

Общая площадь здания превышает два гектара. Внутри вы встретите без малого тысячу комнат, ведь здание является «штаб-квартирой» для Австралийской оперы, Сиднейского симфонического оркестра, Национального балета и Сиднейской театральной труппы.

На освещение театра тратиться энергия, вполне сравнимая с электропотреблением небольшого австралийского городка.

Кабуки-дза

Токио

Мы многое знаем о европейских театрах, а как обстоят дела с театром на Востоке? Какие особенности, в частности, у японской театральной культуры?

Классический японский театр объединяет на сцене и драму, и музыку, и танец, и стихи. Декорации у представлений незамысловаты, чего нельзя сказать о масках и кимоно актеров. Смысл представления – крепкий орешек, который не раскусить неподготовленному зрителю, незнакомому с японской культурой и не способному понять множество тонких отсылок к мифологии, литературе и истории.

Тем не менее, токийский театр Кабуки-дза обожают не только японцы, но и туристы – ни одно из 1964 мест в зале как правило не пустует. Цена билетов начинается от 15 тысяч иен (примерно 8 тысяч рублей), а за дополнительную плату зрители могут купить аудиогид, который разъяснит все тонкости происходящего.

Радио-сити-мьюзик-холл

Нью-Йорк

Возведенный в самом центре Манхэттена в 1932 году, театрально-концертный зал Радио-сити-мьюзик-холл стал одним из излюбленных развлекательных мест нью-йоркцев. Спектакли, мюзиклы, выступления джазовых оркестров, свежие премьеры фильмов – все это можно было увидеть здесь. Сменилась эпоха, но шик и блеск бродвейских мюзиклов XX века по-прежнему пленит и американцев, и туристов.

Особенно популярен традиционный рождественский мюзикл

Radio City может вместить 6 тысяч человек разом, поэтому на его сцене часто проводятся национальные мероприятия вроде музыкальной премии Grammy.

Гордость зала Радио Сити – огромный 4410-трубный орган.

Опера Земпера

Дрезден

Она же Дрезденская национальная опера или Земперопер в честь архитектора Готфрида Земпера. Величественное здание в стиле неоренессанса впервые приняло посетителей 12 апреля 1841 года. Первым произведением, прозвучавшей с этой сцены, стала пьеса Гёте «Ифигения в Тавриде». Впоследствии здесь проходили премьеры многих опер Рихарда Вагнера.

Великобритания. До гастролей труппы Дягилева и Анны Павловой в Лондоне в 1910-1920-х годах балет был представлен в Англии главным образом выступлениями отдельных известных балерин на сценах мюзик-холлов, например датчанки Аделины Жене (1878-1970). Своим рождением английский балет обязан двум женщинам, работавшим у Дягилева: Мари Рамбер (1888-1982), уроженке Польши, и Нинет де Валуа (р. 1898), родившейся в Ирландии, но прошедшей школу в Лондоне. Рамбер, ученица музыканта и создателя системы ритмической гимнастики Эмиля Жак-Далькроза, была приглашена Дягилевым в помощь Нижинскому, когда тому пришлось работать над весьма сложной в ритмическом отношении партитурой Весны священной Стравинского. В течение нескольких лет она танцевала в кордебалете труппы "Русский балет", затем вернулась в Англию и в 1920 открыла свою школу. Ее ученики выступали, именуясь поначалу "Танцовщиками Мари Рамбер", затем в составе "Балетного клуба", в крохотном театре "Меркьюри", расположенном в районе Ноттинхилл-Гейт в Лондоне. Именно у Рамбер начали свою карьеру многие знаменитые английские артисты, в том числе хореографы Фредерик Аштон и Энтони Тюдор. Оба обратились к танцу уже будучи взрослыми юношами, но очень скоро начали ставить небольшие балеты у Рамбер. В 1930-х годах на их постановках выросло целое поколение молодых английских танцовщиков. Де Валуа, тоже танцевавшая в труппе Дягилева, уйдя от него, открыла в Лондоне школу, которая вскоре вошла в состав театра "Сэдлерс Уэллс", и в 1931 году из ее учеников образовался коллектив "Вик Уэллс балле"; в 1948 он получил название "Сэдлерс Уэллс балле". Аштон объединил усилия с Нинет де Валуа для создания балетов, выявивших дарования воспитанных де Валуа молодых артистов Марго Фонтейн (1919-1991), Берил Грей (р. 1927), Роберта Хелпмана (1909-1986), Мойры Ширер (р. 1926). При их участии на протяжении последующих сорока лет выработался специфически английский стиль балетного спектакля и исполнительства, которому свойственны виртуозность, драматизм и чистый классический лиризм. В числе постановок Аштона - полные юмора (Фасад, 1931, музыка Уильяма Уолтона; Тщетная предосторожность, 1960, музыка Фердинана Герольда в обработке Джона Ланчбери) и трагические (Ундина, 1958, музыка Х.В.Хенце; Месяц в деревне,1976, на музыку Ф.Шопена), бессюжетные (Симфонические вариации, 1946, на музыку С.Франка; Монотонности 1 и Монотонности 2, 1965, 1966, на музыку Э.Сати) и повествовательные (Золушка, 1948, музыка Прокофьева; Сон, 1964, на музыку Ф.Мендельсона в обработке Ланчбери). Аштон охотно создавал балеты на основе литературных произведений: например, его Сон основан на пьесе Шекспира Сон в летнюю ночь, а Месяц в деревне на одноименной пьесе Тургенева. Музой Аштона стала Марго Фонтейн, талант которой как балерины, развивался одновременно с его хореографическими экспериментами. Свой последний балет для нее он создал в 1963: это Маргарита и Арман (на основе Дамы с камелиями Александра Дюма-сына и на музыку Ф.Листа). В это время Фонтейн, которой было уже за сорок, пережила как бы вторую сценическую молодость, обретя нового партнера в лице танцовщика Рудольфа Нуреева, эмигрировавшего из Советского Союза. Источником вдохновения для Аштона служили таланты самых разных исполнителей: драматизм, свойственный Линн Сеймур (р. 1939) или Кристофера Гейбла (1940-1998), блестящая техника и одновременно эмоциональность, проявившиеся в дуэте Антони Доуэлла (р. 1943) и Антониет Сибли (р. 1939). К сожалению, после смерти Аштона (1988) его постановки не сохраняются с той же тщательность, с какой берегут в Америке балеты Баланчина или Тюдора. В 1930-х годах Нинет де Валуа пригласила эмигрировавшего из России режиссера Мариинского театра Николая Сергеева (1876-1951) для постановки классических балетов 19 в., чтобы обогатить репертуар и предоставить артистам возможность освоить ранее непривычные танцевальные формы. К 1956 "Сэдлерс Уэллс балле" стал называться Королевским балетом и выступал в Королевском оперном театре "Ковент Гарден". В его репертуаре в 1960-е и 1970-е годы, наряду с традиционными классическими произведениями и постановками Фредерика Аштона, появились драматические балеты Кеннета Макмиллана. Его спектакли отличаются подчеркнутым драматизмом, они насыщены акробатическими па и поддержками, служащими выражением напряженных эмоций. Наиболее удачными спектаклями Макмиллана были многоактные Ромео и Джульетта (музыка Прокофьева, 1965) и Манон (1974, на музыку Ж.Массне в аранжировке Лейтона Люкаса), которые ставятся во многих странах. Аштон, руководивший Королевским балетом с 1963, после ухода де Валуа, ушел в отставку в 1970. До 1977 труппа работала под началом Макмиллана, затем Нормана Морриса (р. 1931), бывшего танцовщика "Балле Рамбер", которому были особенно близки танцевальные идеи американской танцовщицы и хореографа Марты Грэхем (1894-1991). В 1986 во главе коллектива встал Доуэлл, танцовщик, работавший с Аштоном, в то время как Макмиллан оставался одним из хореографов труппы до самой смерти в 1992. На его место балетмейстера пришел Девид Бинтли (р. 1957), чьи балеты, иногда драматические, иногда бессюжетные, весьма разнообразны по стилю и жанру. Доуэлл ввел в репертуар постановки Баланчина и Роббинса, а также работы У.Форсайта и некоторых танцовщиков труппы. Он пригласил в качестве гостей танцовщиков из России, Франции и США, но одновременно уделял внимание собственным артистам: при нем расцвели дарования Дарси Бассел (р. 1969) Вивианы Дюранте (р. 1967). В ответ на критику, указывавшую на недостаток внимания к наследству Аштона, Доуэлл организовал в сезоне 1994-1995 Фестиваль Королевского балета. На протяжении 1940-х и 1940-х годов труппа "Балле Рамбер" продолжала ставить новые балеты, сохраняя в репертуаре подлинники классических балетов, рассчитанные на небольшой состав. В 1966 труппа была реорганизована, полностью отказавшись от традиционных спектаклей и сохраняя лишь произведения в стиле танца модерн. В 1987 ее руководителем стал Ричард Олстон (р. 1948), находившийся под влиянием преимущественно стиля американского хореографа Мерса Каннингема (р. 1919). В 1994 этот пост занял Кристофер Брюс (р. 1945), бывший ведущий танцовщик и балетмейстер труппы. В числе других английских трупп - Английский национальный балет, который имеет своим прямым предшественником коллектив, основанный в 1949 бывшими дягилевскими танцовщиками Алисией Марковой и Антоном Долиным (1904-1983), который в течение многих лет носил название "Лондон фестивал балле". В 1984 возглавлявший труппу датчанин Питер Шауфус (р. 1949) возобновил балет Аштона Ромео и Джульетта, который к этому времени был практически забыт. В 1990 руководителем труппы стал Айвен Надь. Королевский балет всегда содержал вторую, небольшую по составу передвижную труппу. В 1990-х годах она обосновалась в Бирмингеме и теперь известна как Бирмингемский королевский балет.
Советская Россия и другие страны. В России балет не терял своей значимости в годы после Первой мировой войны и при советской власти, даже когда политическая и экономическая ситуация, казалось, угрожала самому существованию Большого и Мариинского (носившего после Октябрьской революции название Государственного театра оперы и балета, ГОТОБ, а с 1934 - имя С.М.Кирова) театров. 1920-е годы - период интенсивных экспериментов как в области формы, так и содержания балетного спектакля. Появляются и постановки Пролеткульта на политические и социальные темы, и в Москве работы Касьяна Голейзовского (1892-1970), а в Петрограде (в 1924 переименованном в Ленинград) разнообразные постановки Федора Лопухова (1886-1973), в том числе его Величие мироздания (1922) на музыку Четвертой симфонии Бетховена. Красный мак на музыку Р.М.Глиэра, балет, поставленный в 1927 Василием Тихомировым (1876-1956) и Львом Лащилиным (1888-1955) в Москве, послужил прототипом многих последующих советских балетов: это многоактный спектакль, темой которого служат благородные страсти и героические поступки, а специально написанная музыка носит симфонический характер. Такие балеты, как в 1932 Пламя Парижа Василия Вайнонена (1901-1964), а в 1934 Бахчисарайский фонтан Ростислава Захарова (1907-1984) - оба с музыкой Бориса Асафьева, как в 1939 Лауренсия (музыка Александра Крейна) Вахтанга Чабукиани (1910-1992) и в 1940 Ромео и Джульетта Леонида Лавровского (1905-1967) (музыка Прокофьева), могут служить примером тех эстетических принципов, которым следовали не только главные труппы - Театр им. С.М.Кирова в Ленинграде и Большой театр в Москве - но и все примерно 50 театров, которые работали в стране. Хотя отдельные находки 1920-х годов и сохранялись, преобладали спектакли, ориентированные на советскую политическую идеологию, а манеру исполнения отличали кантиленность в исполнении движений и гибкость (особенности в области рук и спины), при одновременной разработке высоких прыжков, акробатических поддержек (например, высокий подъем на одной руке кавалера) и стремительных верчений, что придавало советским балетам особую драматическую экспрессию. Одним из педагогов, способствовавшим выработке этого стиля, была Агриппина Ваганова (1879-1951). Бывшая танцовщица Мариинского театра, она начала преподавать по окончании своей исполнительской карьеры. Став педагогом Ленинградского хореографического училища, Ваганова выработала программу и учебник классического танца и готовила своих учениц, чтобы они могли исполнять как великие романтические балеты прошлого, так и новые советские, с их виртуозной техникой. По всему Советскому союзу, а также в Восточной Европе в основу обучения была положена система Вагановой. Зрители в Западной Европе и США были практически не знакомы с советским балетом до середины 1950-х годов, когда балетные труппы Театра им. Кирова и Большого театра впервые выехали на гастроли на Запад. Интерес к нему вызвало поразительное мастерство балерин Большого театра Галины Улановой (1910-1998), с проникновенным лиризмом передавшей чувства Жизели и Джульетты, и Майи Плисецкой (р. 1925), поразившей своей блистательной техникой в роли Одетты-Одилии в Лебедином озере. В то время как Большой театр воплощал наиболее эффектные особенности советского стиля, классическая чистота танцовщиков Кировского театра нашли выражение у таких артистов, как Наталья Дудинская (р. 1912) и Константин Сергеев (1910-1992), способствовавших возрождению традиций Петипа. Больших успехов добились следующие поколения артистов: Екатерина Максимова (р. 1939), Владимир Васильев (р. 1940), Наталья Бессмертнова (р. 1941) и Вячеслав Гордеев (р. 1948) в Большом театре, Ирина Колпакова (р. 1933), Алла Сизова (р. 1939) и Юрий Соловьев (1940-1977) в Кировском театре. В 1961 Нуреев, один из ведущих танцовщиков Кировского театра, остался на Западе во время гастролей труппы во Франции. Два других видных артиста того же театра - Наталья Макарова и Михаил Барышников - поступили так же (Макарова - в Лондоне в 1970, Барышников - в Канаде в 1974). В 1980-х годах административное и политическое давление на искусство в Советском Союзе ослабло, Олег Виноградов (р. 1937), руководивший балетной труппой Театра им. Кирова с 1977, начал вводить в репертуар балеты Баланчина, Тюдора, Мориса Бежара (р. 1927) и Роббинса. Менее склонен к новшествам был Юрий Григорович (р. 1927), который с 1964 стоял во главе балета Большого театра. Его ранние постановки - Каменный цветок (музыка Прокофьева, 1957) и Спартак (музыка А.И.Хачатуряна, 1968) - типично советские спектакли. Григорович опирается на зрелищные эффекты, уверенно управляет большой массой энергично двигающихся танцовщиков, широко пользуется народным танцем, предпочитает героические сюжеты. В течение многих лет на сцене Большого театра шли почти исключительно балеты Григоровича или его переделки старинных спектаклей, таких как Лебединое озеро. К концу 1980-х годов Ирек Мухамедов (р. 1960) и Нина Ананиашвили (р. 1963) из Большого театра, а также Алтынай Асылмуратова (р. 1961) и Фарух Рузиматов (р. 1963) из Театра им. Кирова получили разрешение выступать с ведущими балетными труппами на Западе, затем вошли в состав этих коллективов. Даже Виноградов и Григорович стали искать возможность проявить свои таланты вне России, где государственное финансирование театров значительно сократилось после распада СССР в 1991. В 1995 Григорович был заменен на посту руководителя балета Большого театра Владимиром Васильевым. Другие труппы в Санкт-Петербурге - балет Малого театра оперы и балета им. М. П. Мусоргского (до 1991 именовался Малым театром оперы и балета), Санкт-Петербургский "Театр балета Бориса Эйфмана", который возглавляет хореограф Борис Эйфман (р. 1946), труппа Хореографические миниатюры, созданная Леонидом Якобсоном (1904-1975), работавшим в Театре им. Кирова в 1942-1969, чьи работы получили известность на Западе. В Москве работает труппа Музыкального театра им. К.С. Станиславского и Вл.И.Немировича-Данченко, Театр классического балета. Внимания заслуживает труппа "Эксперимент", созданная в Перми Евгением Панфиловым (р. 1956). Распад Советского Союза и последовавший экономический кризис принес огромные трудности балетным труппам, которые до этого щедро субсидировались государством. Многие танцовщики и педагоги покинули страну, чтобы обосноваться в США, Англии, Германии и других западных странах. В период холодной войны многие страны восточной Европы, входившие в советский блок, следовали советским принципам как в обучении танцовщиков, так и в постановке спектаклей. Когда границы открылись, многие артисты из этих стран, особенно из Венгрии и Польши, приобщились к достижениям хореографии приезжавших к ним западных трупп, и сами стали выезжать за пределы своих стран.
Франция. Французский балет в начале 20 в. находился в состоянии кризиса. Русские артисты, которых приглашали в Парижскую оперу, в частности из труппы Дягилева были много сильнее французских исполнителей. После смерти Дягилева ведущий танцовщик его труппы Сергей Лифарь (1905-1986), некогда приехавший во Францию с Украины, возглавил балет Парижской оперы и оставался на этом посту в 1929-1945, затем в 1947-1958. Под его руководством выросли прекрасные танцовщики, прежде всего замечательная лирическая балерина Ивет Шовире (р. 1917), прославившаяся исполнением роли Жизели. Наиболее интересные эксперименты в сфере хореографии проводились за пределами Парижской оперы, в частности, Роланом Пети и Морисом Бежаром. Пети (р. 1924) ушел из Оперы в 1944 и создал "Балет Елисейских полей", где поставил, в числе других спектаклей, балет Юноша и Смерть (1946, на музыку И.С.Баха) для молодого и динамичного танцовщика Жана Бабиле (р. 1923). Затем для труппы "Балет Парижа" он создал одну из своих самых знаменитых и имевших долгую жизнь постановок - Кармен (1949, на музыку Ж.Бизе) с Рене (Зизи) Жанмер (р. 1924). Чувство театральности, которым наделен Пети, позволило ему работать в самых различных жанрах и участвовать в коммерческих мероприятиях. В 1972-1998 он возглавлял труппу "Национальный балет Марселя", где поставил много стильных и остро театральных спектаклей. Вслед за Лифарем труппу Парижской оперы возглавляли один за другим такие известные мастера, как Харалд Ландер (1905-1971), Жорж Скибин (1920-1981), Виолетта Верди и Розелла Хайтауэр (р. 1920). Репертуар обогатился за счет произведений Пети и Бежара, Баланчина, Роббинса, Григоровича, Глена Тетли, а также представителей американского танца модерн Пола Тейлора (р. 1930) и Мерса Каннингема. В 1983 на пост руководителя был назначен Рудольф Нуреев. Он уделил особое внимание развитию таких балерин, как Сильви Гийем (р. 1965) и Изабель Герен (р. 1961), и предоставил труппе возможность пробовать силы в хореографических произведениях самых разных направлений, одновременно сохраняя классику. После ухода Нуреева (1989) в труппу вернулся, теперь уже в качестве руководителя, ее бывший ведущий танцовщик, имевший звание "звезды", Патрик Дюпон (р. 1959). В 1970-х и 1980-х годах французские провинциальные труппы стали получать государственную поддержку и приобрели международную известность. Особого внимания заслуживает труппа "Балет департаментов Рейна", которая под руководством Жана Поля Гравье показала несколько реконструкций спектаклей 18 в., сделанных на основе тщательных исторических исследований, предпринятых шведским хореографом Иво Крамером (р. 1921), в частности, балеты Тщетная предосторожность Доберваля и Медея и Язон Новерра (музыка Жана Жозефа Родольфа). "Балет Лионской оперы" исполняет стилизованные драматические танцевальные представления, поставленные хореографом Маги Марен (р. 1947).
Дания. Балет в Дании вступил в 20 в., в состоянии застоя. Здесь благодаря Хансу Беку сохраняли наследие Августа Бурнонвиля, но отсутствие инициативы привело к тому, что развитие Королевского балета в Копенгагене прекратилось. Некоторое оживление его деятельности наступило в период 1932-1951, когда труппу возглавлял Харалд Ландер (Ланнер), ученик Бека. Ландер сохранял произведения Бурнонвиля, по возможности в их первоначальной редакции, но также ставил собственные балеты: самый известный из них - Этюды (1948, на музыку К.Черни в обработке Кнудоге Рисагера), где на сцену вынесены и театрализованы основные компоненты балетного учебного класса. В 1951 Ландер назначил художественным консультантом труппы Веру Волкову (1904-1975), в ту пору самого авторитетного на Западе знатока системы Вагановой. Ее усилиями датские танцовщики освоили новую технику, что открыло перед ними новые возможности при исполнении произведений разных стилей. Труппа вышла из изоляции, гастролировала в Европе, России, на американском континенте. Изящество и радостное оживление, свойственные стилю Бурнонвиля, произвели самое благоприятное впечатление, равно как и бравурность танца, отличавшая исполнение датских танцовщиков, в первую очередь Эрика Бруна. Подготовка танцовщиков-мужчин была признана одним из главных достижений датской школы. В 1960-х и 1970-х годах необычайно возрос интерес к истории балета, и спектакли Бурнонвиля стали изучаться как наиболее достоверный пример сохранившихся романтических балетных произведений, что побудило датский Королевский балет провести в 1979 и 1992 фестивали балетов Бурнонвиля. После Ландера коллектив работал под началом многих артистов, в числе которых Флемминг Флиндт (р. 1936), Хеннинг Кронштам (р. 1934) и Франк Андерсен (р. 1954). В 1994 труппой руководил Петер Шауфус, а в 1996-1999 - англичанка Майна Гилгуд (р. 1945). Репертуар датского Королевского балета постепенно расширялся за счет произведений иностранных хореографов, одновременно балеты Бурнонвиля стали включать в репертуар танцевальных коллективов по всему миру. В 1982 "Национальный балет Канады" поставил целиком балет Неаполь (музыка Нильса Вильгельма Гаде, Эдварда Матса Эббе Хельстеда, Хольгера Симона Паулли и Ханса Кристиана Лумбю), а в 1985 "Балле Уэст" в американском городе Солт-Лейк-Сити (шт. Юта), руководимый Брюсом Марксом и Тони Ландер, показал реконструкцию балета Абдалла (музыка Хольгера Симона Паулли), который до этого не исполнялся на протяжении 125 лет.
Германия. На протяжении первой половины 20 в. в Германии наиболее значительным явлением было развитие свободного танца, получившего здесь наименование "выразительного" - Ausdruckstanz. После Второй мировой войны правительства ФРГ и ГДР немало внимания уделили поддержке балетных трупп. Во всех основных городах Западной Германии были при оперных театрах были созданы самостоятельные балетные коллективы, которые ставили свои спектакли, одновременно участвуя в операх. Джон Кранко из Англии (1927-1973), выступавший и поставивший ряд спектаклей в английской труппе "Сэдлерс Уэллс тиэтр балле", возглавил балет Штутгарта в 1961 и сформировал обширный репертуар из собственных многоактных спектаклей, во многом напоминающих по стилю советские балеты, богатые драматизированными танцами. Это Ромео и Джульетта (музыка Прокофьева, 1962). Онегин (1965, на музыку Чайковского в обработке К. Х. Штольце) и Укрощение строптивой (1969, на музыку А.Скарлатти в обработке К.-Х.Штольце), балеты, успех которых немало зависел от участия в них замечательной танцовщицы Марсии Хайде (р. 1939), бразильянки по происхождению, и ее партнера американца Ричарда Крэгана (р. 1944). Труппа вскоре приобрела мировую славу; после безвременной кончины Кранко ее возглавил Глен Тетли, поставивший в память Кранко балет Соло на органе (Voluntaries, 1973, на музыку Ф.Пуленка). В числе главных достижений Кранко была созданная им творческая мастерская, где могли экспериментировать молодые хореографы. Здесь начали работать, в частности, американцы Уильям Форсайт и Джон Ноймайер (р. 1942), а также чех Иржи Килиан (р. 1947). Все они стали ведущими хореографами в балетных театрах Европы последующих десятилетий. Ноймайер возглавил в 1973 балет в Гамбурге и создал там богатый репертуар, одновременно из собственных редакций классических спектаклей и оригинальных постановок на религиозные и философские темы, где использовал музыку Малера, Стравинского и Баха. Его балет Страсти по св. Матфею (1981) длился четыре часа. Форсайт вошел в состав труппы "Штутгартский балет" незадолго до смерти Кранко и танцевал здесь, одновременно ставя спектакли, до 1984, когда был приглашен на пост руководителя "Балета Франкфурта". Находясь под влиянием идей, распространенных в современной литературе, Форсайт применил их в балете. В его хореографии налицо та же фрагментарность, которая отличает литературу эпохи постмодерна, в танец часто включены словесные отрывки, используются приемы, относящиеся к другим видам искусства. Техника танца основана на предельной энергии, нарушении естественного равновесия, и цель ее - передать романтические взаимоотношения в момент наивысшего напряжения. Таковы балеты Любовные песни (1979, музыка народная) и Посередине, на некотором возвышении (In the middle, somewhat elevated, музыка Лесли Штука и Тома Вилемса), который был поставлен Форсайтом по приглашению Нуреева в Парижской опере в 1988. Форсайт охотно использовал в своих постановках резкую по звучанию электронную музыку голландца Тома Виллемса, которая способствовала созданию атмосферы отчужденности и неясной тревоги.
Нидерланды. До Второй мировой войны в Нидерландах наиболее сильным было влияние немецкого свободного танца. После войны возрос зрительский интерес к балету и в Амстердаме была создана труппа "Голландский национальный балет". В 1959 ряд танцовщиков и хореографов, покинув эту труппу, основали "Нидерландский танцевальный театр", который обосновался в Гааге и посвятил себя исключительно современной хореографии. Эти две труппы часто обменивались как артистами, так и спектаклями. Ханс ван Манен (р. 1932) и Руди ван Данциг (р. 1933), художественный руководитель "Голландского национального балета", вместе с Гленом Тетли формировали репертуар "Нидерландского танцевального театра". В основе творчества Тетли лежат разные влияния: это и Ханья Хольм (1898-1992) и Марта Грэхем, и Джером Роббинс, и "Американ балле тиэтр"; недаром он использует в своих постановках как пальцевую технику балета, так и перегибы корпуса и подчеркнуто экспрессивные руки, свойственные танцу модерн, но не пользуется прыжками и заносками, разработанными в классическом танце. Балеты ван Данцига и ван Манена сходны с балетами Тетли в том, что в них налицо смешение разных технических приемов. Впечатляющая работа ван Данцига Памятник умершему юноше (1965, музыка Яна Бермана) исполнялась многими балетными труппами мира. В 1978 руководителем "Нидерландского танцевального театра" стал Иржи Килиан, которого нередко сравнивают с Тюдором, потому что оба они затрагивают волнующие людей темы и предпочитают использовать музыку композиторов Центральной Европы. Килиан к смешанному стилю своих предшественников добавил новые качества: широкое использование движений, исполняемых лежа на полу, драматические скульптурные эффекты, высокие поддержки и вращения. Его созданные на музыку Л.Яначека и исполняемые во многих странах балеты Возвращение в чужую страну (1974 и 1975 - две редакции) и Симфониетта (1978) демонстрируют возможности, которые открываются, когда рисунок танца строится на близко располагаемых друг к другу фигур танцующих. Заинтересовавшись культурой австралийских аборигенов, хореограф создал в 1983 балеты Постоянно посещаемое место (Stamping Ground, музыка Карлоса Чавеза) и Время сна (Dreamtime, музыка Такемицу). В начале 1990-х годов Килиан присоединил к основной труппе еще одну труппу - "Нидерландский театр 3". "Балет Скапино", работающий в Роттердаме под руководством Нильса Кристе (р. 1946), - еще одна голландская труппа, привлекшая внимание своими современными по духу постановками.
Балетное искусство во всем мире. По мере того как к середине 20 в. возрастала роль балета, труппы стали создаваться почти во всех странах обеих Америк, Европы, Азии, в том числе в некоторых районах Средней Азии и Африки, а также в Австралии и Новой Зеландии. Балет нашел себе место даже в странах с собственной богатой танцевальной традицией, таких, как Испания, Китай, Япония и Малая Азия. Морис Бежар, выросший в послевоенной Франции, создал в 1960 труппу "Балет ХХ века" в Брюсселе. Эта труппа, как и организованная при ней весьма необычная школа под названием "Мудра", имела целью пропагандировать искусство балета, демонстрируя танцевальные драмы, основанные на психологии и современных философских идеях. Многие спектакли шли на стадионах, чтобы их могло видеть как можно больше зрителей. Бежар опровергал часто цитируемое утверждение Баланчина, что "балет - это женщина", и уделял главное внимание танцовщикам-мужчинам: например, в балете Жар-птица (на музыку сюиты Стравинского, 1970) он заменил исполнительницу главной партии юношей, который изображает партизана. Тем не менее в его труппе в течение пяти лет танцевала ведущая балерина Баланчина Сьюзен Фаррелл, временно покинувшая нью-йоркскую труппу после того как она вышла замуж. В 1987 Жерар Мортье, директор брюссельского "Театр де ля Моннэ", при котором работал "Балет ХХ века", предложил Бежару сократить расходы и уменьшить состав труппы. Не согласный с этими требованиям Бежар стал искать другое место, где он мог бы продолжить работу. Ему были сделаны многочисленные предложения из разных стран Европы, и он выбрал Лозанну в Швейцарии. Теперь его труппа носит название "Балет Бежара". В последние десятилетия 20 в. итальянская балерина Карла Фраччи, Алессандра Ферри (р. 1963) и Вивиана Дюранте, ведущая танцовщица английского Королевского балета, с огромным успехом выступали за пределами Италии, но у себя на родине не нашлось театра, где они могли бы найти достойное применение своим талантам. В Испании, где традиции национального танца по-прежнему сильнее любых новшеств, все же появился местный хореограф, приверженный классическому балету, - Начо Дуато (р. 1957), который возглавляет "Балет лирико насионал". Дуато, в прошлом артист "Нидерландского танцевального театра", ставит танцы, которые сочетают кантиленность, свойственную Килиану, с неистовой страстностью. В 1920-х годах шведский импресарио Рольф де Маре (1898-1964) основал в Париже труппу "Шведский балет", хореографом которой был Жан Берлин (1893-1930). Этот коллектив ставил смелые эксперименты и на протяжении немногих лет своего существования, с 1920 по 1925, соперничал с "Русским балетом Дягилева". Королевским шведским балетом, находившимся с 1773 в здании Королевской оперы в Стокгольме, руководил в 1950-1953 Антони Тюдор. В 1950 здесь прошла премьера балета Биргит Кульберг (р. 1908) Фрекен Юлия (музыка Туре Рангстрема), который до сих пор исполняется многими труппами мира. В 1963 Тюдор, вновь приглашенный в Королевский балет, поставил Эхо труб (на музыку Богуслава Мартину). Биргит Кульберг, учившаяся у Курта Йоосса и Марты Грэхем, основала собственную труппу в 1967 и экспериментировала над соединением в одном спектакле классической хореографии и танца модерн. Ее сын Матс Эк (р. 1945), возглавлявший "Кульберг балле" с 1990, осуществил там совершенно новые, ни в чем не напоминающие традиционные постановки балетов Жизель и Лебединое озеро. В 20 в. возникли три значительные канадские труппы: "Королевский Виннипегский балет", основанный под названием "Виннипегский балетный клуб" в 1938 и к 1949 ставший профессиональной труппой; "Национальный балет Канады", созданный в Торонто в 1951; и "Большой Канадский балет", начавший свою деятельность в Монреале в 1957. "Национальный балет Канады" основала Селия Франка (р. 1921), которая выступала в английских труппах "Балле Рамбер" и "Сэдлерс Уэллс балле". Опираясь на опыт "Сэдлерс Уэллс балле", она начала с постановки классических балетов 19 в. Франка руководила труппой до 1974, затем ее сменил Александер Грант (р. 1925). В 1994-1996 руководителем труппы был Рейд Андерсон (р. 1949), а в 1996 на этот пост был назначен Джеймс Куделька (р. 1955). Быстро развивался балет на Кубе. Алисия Алонсо, одна из самых известных балерин "Американ балле тиэтр" в США, вернулась на родину после революции Фиделя Кастро в 1959 и создала труппу "Национальный балет Кубы". Сценическая жизнь самой Алонсо была очень долгой, она перестала выступать лишь в возрасте шестидесяти с лишним лет. В Буэнос-Айресе в разное время работали многие великие танцовщики и хореографы, в частности Нижинская и Баланчин. Аргентинцы Хулио Бокка и Палома Эррера (р. 1975), ставшие ведущими танцовщиками "Американ балле тиэтр", начали обучаться танцу в Буэнос-Айресе. Многие русские танцовщики после революции 1917 уезжали из страны через азиатскую границу. Некоторые из них временно или навсегда обосновались в Китае. После Второй мировой войны в Китае работали педагоги и балетмейстеры из СССР. В период китайской культурной революции 1960 советское влиянию ослабло, и стали создаваться национальные произведения, такие, как Красный женский батальон или Седая девушка (оба в 1964). Эти спектакли - образцы направления, отрицающего лиризм в балете как упадничество, их примечательная черта - железная дисциплина и четкость в массовых танцах, исполняемых кордебалетом на пальцах. По мере того, как в 1970-х и 1980-х годах возрастало иностранное влияние, во многих городах Китая появились новые балетные труппы. Создаются они и в главных городах многих других стран Азии.
Заключение. К концу 20 в. все яснее вырисовались проблемы, стоящие перед балетным искусством. В 1980-е годы, когда умерли Баланчин, Аштон и Тюдор (в 1980-х годах), а Роббинс отошел от активной деятельности, возник творческий вакуум. Большинство молодых хореографов, работавших в конце 20 в., были не слишком заинтересованы в том, чтобы разрабатывать ресурсы классического танца. Они предпочитали смешение разных танцевальных систем, причем классический танец предстает обедненным, а танец модерн - лишенным оригинальности в выявлении телесных возможностей. В стремлении передать то, что составляет существо современной жизни, хореографы пользуются пальцевой техникой как бы для акцентирования мысли, но игнорируют традиционные движения рук (port de bras). Искусство поддержки свелось к некому взаимодействию между партнерами, когда женщину таскают по полу, кидают, кружат, но почти никогда не поддерживают и не танцуют с ней. Большинство трупп строят репертуар, включая в него классику 19 в. (Сильфида, Жизель, Лебединое озеро, Спящая красавица), наиболее знаменитые балеты мастеров 20 в. (Фокина, Баланчина, Роббинса, Тюдора и Аштона), популярные постановки Макмиллана, Кранко, Тетли и Килиана и работы нового поколения хореографов, таких как Форсайт, Дуато, Джеймс Куделька. В то же время танцовщики получают лучшую подготовку, т.к. стало больше знающих учителей. Сравнительно новая область танцевальной медицины открыла танцовщиком доступ к технике предохранения от травм. Существует проблема приобщения танцовщиков к музыке. Распространенная популярная музыка не знает разнообразия стилей, во многих странах обучение музыкальной грамоте стоит на низком уровне, при постановке танцев постоянно используются фонограммы - все это мешает развитию музыкальности у танцовщиков. Новым явлением последних десятилетий стали балетные конкурсы, первый их которых прошел в Варне (Болгария) в 1964. Они привлекают не только премиями, но и возможностью показаться судьям, представляющим самые престижные организации. Постепенно конкурсов стало больше, не менее десяти в разных странах; некоторые предлагают вместе денег стипендии. В связи с потребностью в балетмейстерах возникли также конкурсы хореографов.

• - Первый ный спектакль в Москве - «Балет об Орфее и Евридике» поставлен в 1673 шведом Н. Лимом. В 1773 при московском Воспитательном доме было открыто ное отделение...

  Москва (энциклопедия)

• - классический впервые появился в Японии в 1912 г., когда туда приехал итальянский балетмейстер Джованни Роси, который в течение трех лет преподавал танец в театре "Тэйкоку гэкидзё"...

  Вся Япония

• - бале́т, вид сценического искусства: музыкально-хореографическое театральное представление, в котором все события, характеры и чувства персонажей передаются с помощью танца...

  Художественная энциклопедия

• - - вид сценич. иск-ва; спектакль, содержание к-рого воплощается в муз.-хореографич. образах. На основе общего драматургич. плана Б. соединяет музыку, хореографию и изобразительное иск-во...

  Музыкальная энциклопедия

• - Раскроем томик Пушкина: Театр уж полон; ложи блещут; Партер и кресла -- все кипит; В райке нетерпеливо плещут, И, взвившись, занавес шумит...

  Музыкальный словарь

• - вид театрального искусства, где основным выразительным средством служит так называемый "классический" танец; сценическое произведение, принадлежащее этому виду искусства...

  Энциклопедия Кольера